TRANSFORMERS: LA VENGANZA DE LOS CAÍDOS (de Michael Bay)

Vaya con la venganza… ¡hasta de los pobres espectadores se ha vengado Michael Bay!… ¿Pero qué le hemos hecho la gente a este hombre para que nos maltrate de esta forma en la secuela de Transformers? ¿Tenemos cara de tontos? … ¿Realmente estamos hablando del mismo Michael Bay que dirigió tan dignamente la primera película?...

"Sin sacrificio, no hay victoria..."

… Sí, ya se que la primera parte tampoco era una película de Martin Scorsese pero yo reconozco, sin ningún tipo de pudor, que las dos veces que ya la he visto (la primera en el cine, la segunda en dvd) he disfrutado un montón viéndola… Y a buen seguro que la volveré a ver por una tercera vez porque esa primera entrega tenía todo lo que brilla por su ausencia en esta segunda entrega: tenía una historia (más o menos decente), una emoción y credibilidad en la descripción de los acontecimientos, una originalidad en el guión…

"Antes del inicio de los tiempos existía el Cubo. No sabemos de dónde procede, sólo que contiene el poder de crear mundos y dotarlos de vida; así es como nació nuestra raza. Durante un tiempo vivimos en armonía, pero como ocurre siempre con el poder, algunos lo deseaban para el Bien y otros para el Mal... y así empezó la guerra, una guerra que asoló nuestro planeta hasta que quedó consumido por la muerte, y el Cubo se perdió en lo más recóndito del espacio... Nuestro pueblo se dispersó por la galaxia con la esperanza de encontrarlo y reconstruir nuestro mundo. Buscamos en cada estrella, cada planeta, y cuando habíamos perdido toda esperanza, el mensaje de un nuevo descubrimiento nos condujo a un planeta desconocido llamado Tierra... pero llegamos demasiado tarde..."

En definitiva, la primera entrega de estos Transformers poseía cierta calidad para ser considerada digna de ver y lo más importante: dejaba un cierto margen de confianza a la inteligencia e imaginación de los espectadores…

"Sin la Chispa Vital no podemos devolver la vida a nuestro planeta... Afortunadamente, el destino nos ha recompensado con un nuevo mundo al que llamaremos hogar... Ahora vivimos entre sus habitantes, ocultos a simple vista, pero velamos por ellos en secreto. Esperando, protegiéndolos... He sido testigo de su gran valor, y aunque somos profundamente distintos, tienen, como nosotros, algo más de lo que tus ojos ven... Soy Optimus Prime, y mando este mensaje a todo Autobot superviviente que se haya refugiado en el firmamento... Estamos aquí... seguimos esperando..."

…¿Pero ésta Venganza de los Caídos?... ¿Cómo puede haber un productor dispuesto a desembolsar una burrada de dinero para subvencionar semejante disparate cinematográfico?... Bueno, pensándolo bien, es muy fácil, tan sólo hay que aprovechar el éxito que obtuvo la primera… y los espectadores de la segunda llegaron rodados a las salas de cine (entre ellos yo, claro)… Otra historia será la tercera entrega y demás posteriores que, me temo, nos seguirán llegando en un futuro próximo a las pantallas... que ya veremos si mejoran el nivel de esta segunda (nada complicado, por cierto)

… Sí, ya se que este tipo de películas no son para salir del cine con una lección aprendida sobre la reflexión del sentido de la vida y de la muerte, y que sólo son realizadas con el fin de entretener, sí, lo sé… Pero es que Transformers 2 ni siquiera consigue ese mínimo exigible que se supone que se les exige a este tipo de películas con tanta acción, que es la de entretener un poco al personal que ha pagado una entrada de cine.

¿Qué necesidad hay de que dure tanto tiempo si no tiene nada nuevo que contarnos? ¿Por qué?.. … La película, que aburre desde el minuto uno… ¡¡dura dos horas y media!!…. Y para contar lo que cuenta ¿no se podía haber contado lo mismo en 90 minutos y así, al menos, se hubieran ahorrado los productores de producir un montón de escenas repetitivas, innecesarias y que no aportan nada en el desenlace de los acontecimientos?...

(...No os exagero cuando digo que aburre desde el primer mintuto… Los primeros quince minutos son medio mediocres-surrealistas, un espectáculo de coches transformables en robots pero sin ninguna explicación lógica, sin ton ni son)

¿Hay algo en la película que merezca la pena destacar?... bajo los mis ojos masculinos, sí… Megan Fox… pero sólo bajo esta visión porque si la analizamos desde la perspectiva interpretativa… madre mía... No dudo que esta película la haya dado a Megan la fama mundial que posee actualmente, pero es un poco triste por parte de su Director, Michael Bay, aprovechar su presencia sólo para tenerla media película intentando arrancar de los labios de su chico la ansiada frase de “te quiero” y la otra media película corriendo (y gritando) a lo tonto por el desierto de Egipto…

Eso sí, a pesar de explosiones y las polvaredas del desierto, Megan siempre aparece en todas las escenas toda guapa, sin descuidar para nada su cuidado peinado, y sin alterar una gota de su cuidado maquillaje… Ah, y por supuesto sin ensuciarse apenas sus impolutos pantalones blancos con el polvo del desierto. Ver para creer.

Mensaje exclusivo para los fans de Megan Fox y para las personas que les agrada ver una mujer guapa: no perderse su primera aparición en la película... de auténtica conejita Playboy. (Aquí es cuando uno empieza a pensar que a Michael Bay se le ha ido un poco la cabeza con tantos robots… o por la propia Megan. Comprensible a su vez).

"Los niveles de feromonas del chico indican que quiere aparearse con la hembra..."

Sobre el protagonista masculino, Shia LaBeouf (Sam Witwicky), tan sólo comentar… que me gustó mucho su interpretación en Memorias de Queens (¡que no en Indiana Jones 4!)

"¿Eres Samuel James Witwicky, descendiete de Archivald Witwicky...?"

No venga, ahora en serio… ¿lo mejor?... o mejor dicho…. ¿hay algo que merezca la pena destacar de Transformers: La venganza de los caídos o lo que es lo mismo pero queda más chulo Transformers: Revenge of the fallen?... Pues sí, algo… este trailer (que nos engañó a todos a los que tuvimos la oportunidad de verlo previamente en el cine por la espectacularidad de sus imágenes) y la excelente banda sonora compuesta por Steve Jablonsky que, aunque es igual que la de la primera parte, sin embargo no me canso de escucharla porque es grandiosa, buenísima. Así que al menos… escuchar de fondo esta obra maestra, se agradece… La pena son las imágenes que acompañaban a esta excelente música... que sobran casi todas...

En fin, tampoco vamos a pedir peras al olmo en una película donde uno de sus actores suelta la frase:

“Vamos a recibir estopa por un tubo”

(Al menos se escucha esta delicia de frase en la versión doblada al castellano que tuve la mala suerte de ir a ver al cine… Si os da por verla, hacerlo al menos en V.O.S. y así a buen seguro que os evitaréis esta mala traducción).

... Nada, que me quedo sin duda alguna con el recuerdo de la primera película de Transformers y con algunas de sus preguntas abiertas que soltaron estos robots tan simpáticos...

"¿Es el miedo o el valor lo que te empuja?"

"¿Por qué luchamos para salvar a los humanos si son primitivos y muy violentos?"

ELEGY (de Isabel Coixet)

“¿Quieres saber por qué vomito? Vomito porque cuando tenía ocho años la que era mi mejor amiga fue diciendo por ahí que yo era una zorra. Vomito porque cuando tenía quince años no me invitaron a la única fiesta a la que he querido ir en toda mi vida. Vomito porque a los diecisiete años tuve mi primer hijo y tuve que hacerme mayor a la fuerza. Y ya no me quedan sueños. Y sin sueños no se puede vivir”
Mi vida sin mí

Me gusta Isabel Coixet. Mi vida sin mí me parece una de las películas más tristes que he visto en mi vida pero a la vez es una de las historias más tierna y bonita que jamás vi contar a una persona. Es una delicia de película, no os la deberíais de perder si aún no la habéis disfrutado.

“Puede que no sea hoy, ni mañana, pero tengo miedo de que un día empiece a llorar y no pueda parar y se inunde la habitación y nos ahoguemos los dos”
La vida secreta de las palabras

La vida secreta de las palabras es igual de bonita, intensa y tierna. Me gustó tanto que cuando salió a la venta en formato dvd, me hice con una Edición coleccionista de 3 discos que es toda una joyita.

“Puede pasar de todo, ¿verdad? Cualquier cosa. Puedes amar tanto a una persona que tan solo el miedo a perderla haga que lo jodas todo y acabes perdiéndola”
Cosas que nunca te dije

Aún no he tenido la oportunidad de ver Mapa de los sonidos de Tokio pero podíamos seguir hablando de las deliciosas Cosas que nunca te dije o de A los que aman…

“Pasé mi vida amando a una mujer que amaba a otro que no la amaba sino que amaba a otra de la que nunca supo si la correspondía. Era un tiempo en el que miraba al futuro con más esperanza que miedo”
A los que aman

…O incluso el corto Bastille que dirigió para la película Paris, je t'aime, que para mi gusto, el suyo fue de los más originales y divertidos entre todos los que participaan en aquel experimento cinematográfico parisino.

Pero ¿Elegy?... Isabel… ¿Qué ha pasado con Elegy?... ¿Por qué? ¿Era necesario en tu carrera? ¿O fue simplemente un capricho que te concediste para poder disfrutar en primera persona de la presencia angelical de Penélope Cruz y del maestro de la interpretación Ben Kingsley?... Si este fue el motivo… de acuerdo, no tengo nada que objetar. A los directores tan geniales como tú, se les debe de permitir de vez en cuando este tipo de caprichos cinematográficos…

Bueno, miento, algo sí tengo algo que objetar… porque… ya que contabas con estos dos actores de lujo… ¿Por qué no aprovechaste esta excelente oportunidad para aprovecharte de sus talentos interpretativos para habernos contado una historia con algo de sustancia?

“Creo que fue Bette Davis quien dijo que la vejez no está hecha para los cobardes… Pero fue Tolstoi quien dijo: la mayor sorpresa en la vida de un hombre es la vejez”

Elegy es de las películas más aburridas con las que me he topado en los últimos 10 años. Es de las películas que si no fuera por las presencias tan destacables de Penélope Cruz y Ben Kingsley… no hubiera tenido la paciencia de seguir viéndola más de media hora...

“La señorita Castillo era diferente, tenía… un porte perfecto y se vestía como una joven abogada de un prestigioso bufete de abogados… Su sofiscación la distinguía de las demás, Ella sabe que es hermosa pero aún no está segura de cómo llevar su belleza”

Los primeros 45 minutos son soporíferos. No pasa nada que sorprenda, todo es previsible: conversaciones banales, planas y superficiales, sin ningún tipo de interés para el espectador... Incluso los momentos románticos-culturales de mutuo aprendizaje artístico son básicos y de Primaria: La Maja de Goya, Las Meninas de Velázquez… ¿Algún topicazo artístico más?... Tan sólo eché de menos El Guernica de Picasso. Por no hablar de sus aficiones compartidas, como sus sesiones "apasionantes" de piano...

La película tiene un guión como para ponerse a llorar. Sin ánimos de contar nada sobre su trama, lo que nos cuenta Elegy es la historia más típica, simplona e insustancial que se pueda escribir: profesor de Universidad veterano, con cierto prestigio y atractivo (sobre todo por sus altos conocimientos sobre el arte) se enamora de su alumna más lista, atractiva y culta de su clase… y claro, surgen las dudas, los miedos, los problemas de conciencia…

“Ahora soy muy vulnerable a la belleza femenina…todo el mundo se encuentra indefenso ante algo, y en mi caso es eso. Veo la belleza y ya no puedo ver nada más”

... ¿Algo nuevo?... ¿Os ha sorprendido su trama?... ¿Qué se llevan 35 años de diferencia en edad?... ¿Y?... ¿Todo esto es lo que nos quiere contar Elegy?...

Y el final… bueno, del final prefiero reservarme y no decir nada, descubrirlo vosotros mismos... Aunque para ser justos hay que decir que la última media hora del film es de lo poco que se salva de la película de Isabel Coixet, aunque ojo, tampoco esperéis un final-sorpresa lleno de ingenio… Nada, topicazo de nuevo y muy (recurrido) en el cine.

Bueno, os preguntaréis... que una película con transforndo cultural que al menos contará con un banda sonora hermosa y vibrante, ¿no?... Pues ya siento decepcionaros porque ya es difícil que a un servidor no le guste una banda sonora de una película, pero en el caso de Elegy resulta en ciertos momentos tan previsible y pedante que hasta la música se contagia de esta atmósfera tan empalagosa… convirtiéndose en una partitura sin chispa, aburrida y lenta. Eso sí, es ideal escucharla como banda sonora de fondo... para disfrutar de una buena siesta.

“Las mujeres hermosas son invisibles… Nadie puede ver a la persona real… Estamos tan deslumbrados por el exterior que nunca conseguimos llegar al interior”

¿Qué sólo por disfrutar de las interpretaciones de Penélope Cruz y de Ben Kingsley merece la pena verla?... Pues NO digo que NO sea éste un buen motivo para animarse a verla… pero es que incluso en este caso, éste no es un argumento suficientemente sólido y válido porque las interpretaciones de ambos están acompañadas de unos diálogos tan pobres, básicos y superficiales… que consiguen que sus registros interpretativos rocen la mediocridad y la vulgaridad…

“Me he pasado la vida de flor en flor. Me hacía creer que no estaba solo y que el tiempo no pasaba”

Aún así… ¿merece la pena ver a estos dos actores juntos en una misma película?... Bueno, si de lo que se trata es de dar una alegría a nuestros ojos, los admiradores/as de Penélope estamos de enhorabuena ya que Isabel Coixet nos regala un par de planos “naturales” de ella que tardaréis en borrarles de vuestras retinas. Son un par de escenas con planos muy bellos de Penélope que son, sin duda alguna, lo mejor de la película.

“Tus pechos son las más bonitos que he visto jamás… Y tienes una cara preciosa que no puedo dejar de mirar… ¿Sabes?... eres una obra de arte… Una auténtica obra de arte”

Pero claro, esta es mi opinión. Porque la crítica… ¿qué dijo la crítica sobre Elegy?... Pues el film obtuvo críticas en la misma línea de opinión que la mía…

El País "Insuficiente adaptación de Philip Roth… Coixet muestra abusivas secuencias de enamorados... No me deja poso sentimental, no me alteró ninguna fibra"

El Mundo "Bien por el riesgo. Pero el objetivo se antoja cumplido a medias… La voz en 'off' resulta demasiado reiterativa y las piezas de Satie son como rotuladores fluorescentes." (Luis Martínez: Diario)

The New York Times "Hay muy pocas cosas placenteras que encontrar en esta película… Tampoco hay mucha sustancia, a pesar de que se basa en ''The Dying Animal', una brutal novela corta de Philip Roth"

… Pero, por supuesto, también obtuvo críticas en sentido contrario, es decir, positivas hacia la película:

ABC "Película de sentimiento rebosante, de una sexualidad calculada y de un romanticismo erudito… Ideas y reflexiones proyectadas en todo momento en la gestualidad y la carnalidad de los protagonistas, ambos realmente muy eficaces y entregados"

El Mundo "Encuentra una forma demoledoramente elegante de enfrentarse a temas tan delicados... y también de bordear algunas situaciones incómodas... Todo encaja con pasmosa y desgarradora armonía”

… Incluso obtuvo críticas tan positivas… que yo me atrevería de calificar como de, quizás, un poco exageradas…

La Razón “Coixet sin duda ha presentado aquí, en la Berlinale, su mejor película"

El País "El animal moribundo está lejos de ser una buena novela; Elegy está cerca de ser una excelente película… La disquisición panegírica y la lujuria con tendencia a lo grotesco han dejado paso al romanticismo y a la delicadeza"

No seré yo quién os diga alguna vez que dejéis de ver una película o que dejéis de ir al cine a ver una determinada película. Al contrario, en el caso de Elegy, me encantaría que la veáis y que opinéis al respecto… Y posiblemente, adoptéis una opinión totalmente contraria a la mía... y eso sería muy bueno, ¿no?... Es el fin que persigue este blog, un lugar de encuentro y de debate para hablar de/sobre cine y en el que cualquier opinión será bienvenida.

“Fue como ir en una montaña rusa y como en todas las atracciones, antes o después… se acaban”

Pero creedme, que, aunque opine con rotundidad que Elegy es bastante aburrida y que no aporta nada nuevo al panorama cinematográfico, sin embargo, me gusta Isabel Coixet… y mucho.

“Cuando miras a una persona, cuando la miras de verdad, puedes ver el 50% de lo que es. Querer descubrir el resto es lo que estropea las cosas”
Mi vida sin mí

TERMINATOR SALVATION (de Joseph McGinty Nichol)

¿Salvation? ¿La Revolución de las Máquinas?... ¿Era realmente necesaria esta 4ª entrega o es que tocaba ya hacer taquilla y negocio con la imagen de Terminator?

Esta nueva entrega, en principio tan esperada y deseada por los fans de esta saga robótica... ¿aporta algo a sus películas predecesoras?... ¿o más bien las “devalúa”?

... ¿Se les ocurrirá realizar una 5ª entrega?... ¿Y una 6ª?... Y si fuera así, ¿por qué? ¿Alguien realmente las ha demandado?... ¿Nos han preguntado a los seguidores de la saga si queremos ver más Terminators?

Para averiguarlo... ¿POR QUÉ no nos realizan encuestas de satisfacción a los sufridores espectadores que hemos pagado religiosamente nuestra entrada de cine para ver este film tan poco innovador?

Y es que si comenzamos a hablar de la propia película en sí...

… ¿POR QUÉ su protagonista, Christian Bale, repite continuamente en la película “soy John Connor"?

... ¿POR QUÉ hay tantos guiños forzados e introducidos como "con calzador" hacia sus películas predecesoras de Terminator?

... ¿POR QUÉ el film está saturado con multitud de las (célebres) calaveras de titanio y ojos resplandecientes de color rojo? ¿Para matar la gracia que tenían los serios y decentes Terminator I y II que cuidaban mucho este extremo con el fin de mantener intacta la expectación de los espectadores?

... ¿Y POR QUÉ Terminator Salvation acaba con un final tan descaradamente abierto?... ¿Es que realmente queda aún algo interesante por contar (y que a los espectadores nos apetezca seguir viendo)?

Y es que la película en sí NO es que NO entretenga (ya que cuenta con una buena dosis de acción y multitud de espectaculares de efectos especiales), el problema está en su historia tan poco novedosa que nos intenta contar... que no sorprende ni engancha absolutamente nada. Es un guión que flojea por todos los lados, sin consistencia ni credibilidad alguna... Sin interés alguno.

Terminator Salvation es la típica película para verla un sábado por la tarde, después de comer, mientras te apoltronas en tu sofá con la mente en blanco y con los ojos pesados y cansados de sueño… Es decir, hay que verla con el cerebro vacío y sin esperar nada de ella… Nada.

Queridos lectores, la película no da para más. Cuenta con un guión muy flojito y poco trabajado y con toda una sucesión de acontecimientos muy predicibles. Es decir, en resumidas cuentas, estamos ante un film totalmente prescindible.

¿Lo mejor? su duración: poco más de hora y media. Muy bien. Que una película que está repleta de agobiantes efectos especiales y de continuas explosiones espectaculares y en la que su guión brilla por su ausencia… pues eso, que se agradece mucho que dure lo justo y que su desenlace no se alargue demasiado.

"Volveré" (... si no hay más remedio...)

LA SILLA (de Julio Wallovits)

“Sabemos muy poco acerca de la verdad de la relación de las personas con sus objetos. Es eso lo que nos permite organizar el mito” (Jean Baudrillard)

¿Alguien ha visto esta película?... ¿Alguien la entendió?...

“En algún lugar existe una silla, una silla estéticamente bonita, simple, de madera y metal aunque tampoco un mueble especialmente atractivo o valioso como podría suponerse al escuchar su descripción”

¿POR QUÉ se decide rodar una película con este sin sentido infinito y esencia surrealista?

“… situación que se extiende a las cosas que hay en su casa, que siendo también todas suyas, él siente que no las posee, que tampoco son verdaderamente de él”

... Con lo que cuesta poner una película "en marcha" (escribir guión, conseguir subvenciones, actores, ensayos, montaje, sonido, música, etc.)… ¿Qué valiente y generoso productor puede apostar económicamente por un proyecto cinematográfico así de “arriesgado”?

En definitiva... ¿Alguien podría tener la amabilidad de explicarme el significado de este inaudito (y extraño) film o al menos alguien podría contarme qué es lo que intentó transmitirnos su Director, Julio Wallovits, autor también de la genial Smoking Room?

Gracias anticipadas por vuestras posibles explicaciones.

“… y sintió la repetición. No es que por primera vez se produjera la repetición, sino que por primera vez la sentía la repetición. Y se dijo, se preguntó… ¿cuándo va a acabar esto?... qué ridículo, ¿hasta cuándo va a seguir esto?”

DESCONGÉLATE (de Felix Sabroso y Dunia Ayaso)

Es evidente que Descongélate no va a pasar a la historia del cine español como una obra inmortal del Séptimo Arte… pero sí tiene el mérito de lograr entretener y hacer pasar un buen rato (con bastantes risas incluidas) a lo largo de su hora y media de duración… A si que, en tiempos como los son los actuales de escasez de ideas talentosas, pues ni tan mal que al menos la película consiga arrancar al espectador alguna sonrisa...

El reparto actoral es bastante digno… Tenemos por un lado a Pepón Nieto en uno de sus mejores papeles cinematográficos, que con mucho acierto da vida a un cómico con poca suerte... y fe en sí mismo.

Por otro tenemos a una Candela Peña que nos brinda, una vez más, una interpretación de las que inducen al espectador a olvidarse por completo de que el personaje que están visionando es una actriz interpretando un guión. Candela es una actriz de las que borda sus papeles y de las que realmente es difícil encontrártela desempeñando una mala interpretación.

También tenemos a una Loles León que hace de ella misma o al menos del personaje con el que más la encasillan últimamente… En esta ocasión, encarna a una madre manipuladora, cotilla… y obsesionada con la comida congelada…

“Mira Airis, yo se que no es tu estilo, pero hasta que conociste a Tito, mis hijos siempre cenaron comida congelada. No es bueno comer tanta comida fresca… tú no sabes que la comida congelada no tiene bacterias?”

La cierto es que Loles se supera con este tipo de personajes, aunque acaba cansando esta reincidencia interpretativa…

Y por último, entre el elenco más destacado, tenemos a un Oscar Jaenada que interpreta magníficamente el personaje de un Director de cine pasado de rosca… Bueno, qué vamos a decir del actor principal de la película Noviembre… que no esté dicho ya… (os remito al post sobre Noviembre escrito en este mismo blog).

“Si una mañana descubres que te falta algo y decides ir a por ello puede que te enfrentes a lo torpe que eres y a lo difícil que lo tienes… Me he dado cuenta que sólo con ponerte a tiro aunque sólo sea dando palos de ciego, a veces la vida conspira a tu favor… de un modo espectacular”

ULTIMÁTUM A LA TIERRA (de Scott Derrickson)

LO + GUAPO: Jennifer Connelly, sin duda alguna. Es el único reclamo y atractivo para decidirse a ver esta película.

Bueno… y por añadir algo más, citaremos un par de detalles que se “libran”... Uno de ellos es la siguiente conversación con “mensajito” para la humanidad:

- “Su problema no es la tecnología. El problema está en ustedes. Carecen de la voluntad de cambiar”

- “Entonces, ayúdenos a cambiar”

- “No puedo cambiar su naturaleza. Tratan al Planeta como se tratan ustedes mismos”

… Y el otro detalle “salvable” es esta frase que suelta el personaje interpretado por Keanu Reeves, con contenido “existencial”:

“Nada nunca muere realmente. El Universo no desperdicia nada. Todo es simplemente… transformado”

LO – GUAPO: Todos los minutos que dura la película – los minutos en los que sale Jennifer Connelly. Se trata de hacer una simple resta.

Nota: curiosamente leí recientemente en una revista cinematofráfica la siguiente reseña acerca de este film: “... Este Ultimátum tiene un atractivo claro para los terrícolas: la interpretación de Keanu Reeves… Lo de más corre por cuenta de los efectos especiales”… En fin, sin comentarios, prefiero que seáis vosotros quiénes juzguéis la interpretación del propio Keanu cuando veáis la película (si os atrevéis a hacerlo, claro).

AMOR, CURIOSIDAD, PROZAK Y DUDAS (de Miguel Santesmases)

“Desengáñate, Cristina, Hay 2 tipos de personas en este mundo, las mujeres inteligentes como tú y como yo… Y los 6.000 millones de imbéciles que se interponen en nuestro camino”

Estamos ante una historia que nos cuenta el devenir diario de tres hermanas que tienen un único punto en común… su sangre. Y nada más tienen en común… Distintas personalidades, gustos, costumbres, formas de vida… Eso sí, las tres divagan por la vida y “cargan” con sus vidas a cuestas sin ningún fin en concreto…

Las suyas son unas vidas incompletas, llenas de inseguridades e indecisiones… En este sentido, la sinopsis de La Butaca nos habla un poco más sobre las diferentes personalidades de cada una de estas hermanas:

“Cada una de las tres piensa que su vida es la que merece la pena y que sus hermanas han tomado el camino equivocado. Pero ha llegado el momento de que reconozcan sus insatisfacciones, y quizá de que se necesiten más de lo que están dispuestas a admitir...”

Tres formas distintas de plantearse la vida, tres vidas diferentes de “sobrevivir”, en definitiva… Tres personalidades muy diferentes, con vidas casi opuestas… pero eso sí, ante todo... hermanas.
“Oye, ¿qué sabes de Rosa?”

“No se nada… supongo que estará bien, ya sabes, su casa de puta madre, su curro de puta madre y su cochazo de puta madre, a si que ella… de puta madre también, como esa ya tiene todo lo que siempre quiso”

Estamos ante una película que nos cuenta la historia de tres hermanas que se encuentran perdidas en el mundo y que se resisten a perderse en el caos... y en el desconcierto…

“¿Tu crees?... Yo también tengo lo que siempre quise y no estoy “de puta madre”, como dices tú”

Es una historia que aborda las inseguridades de la condición humana, analizadas desde diferentes etapas vitales… Desde la juventud, la madurez…

“Es que tú pasas del “a vivir que son dos días” al “absurdo existencial” a una velocidad pasmosa”

Asumir responsabilidades, divagar y perderse en el devenir de la vida, en la rutina diaria o en el círculo de "costumbres" impuestas por la sociedad… La relaciones con la familia, las amistades… El tirar "pa`lante" en el día a día con la vida misma... Sobrevivir, vamos, como decía el personaje interpretado por Alejo Sauras en la película Bienvenido a casa dirigida por David Trueba.

“Supongo que nadie está preparado para la vida… Eva tiene razón, se trata de aguantar 5 minutos, y luego 5 minutos más… y luego otros 5”

Basada en el libro de Lucía Etxebarría, la película no deja de ser un manifiesto personal de la propia Lucía Etxebarría con esencia de autocrítica feminista… No obstante, el film, como la propia novela, está lleno de símbolos y destellos de gran influencia para la propia Lucía como son las referencias a El principito, a Biarritz… y en general, todo el universo de las mujeres.
“Yo complicada?... si soy una mujer de lo más sencillita… Es mi vida la que no lo es”

Además de indagar en las diferentes personalidades de cada una de las tres hermanas, la película aborda principalmente las edades que cierran la juventud… y las edades que dan comienzo a la verdadera madurez… Los 30, los 40… Edades éstas en las cuales se comienza a tener conciencia de la existencia de ciertos temas que hasta ahora pasaban sin pena ni gloria o que directamente se les ignoraba porque no se les daba la suficiente importancia…

“Hoy cumplo 30 años. Los 30 marcan una frontera. Es el momento en que dejas de ser una joven promesa y pasas a convertirte en una madurita con mucho cuento… Pero la verdad es que a mí me da igual… absolutamente igual”

… Y es que las personas, con los años, nos vamos haciendo más complicados y complejos en todos los aspectos y facetas de la propia vida, es decir… las personas nos vamos haciendo más “raritos” con el paso de los años. Nos vamos creando un mundo propio (y cerrado) de costumbres, de amistades, de creencias, de experiencias… Nosotros mismos nos vamos fabricando nuestra celda para convertirnos en presos de nuestra propia celda vital…

“Pues pobrecito, que está sólo…. Y yo también estoy sola, coño!! todos estamos sólos, pero eso no tiene solución… yo no puedo llenar su vacío ni él el mío. Nada puede, ni las drogas, ni el sexo ni el alcohol… ni nada”

… Y con el paso de los días, de los años… nos vamos forjando unas personalidades y unos caracteres cada vez más fuertes y cerrados. Caracteres poco o nada receptivos a nuevas opiniones o a nuevos cambios... Todos estos temas o debates están expuestos en esta película aunque de forma muy escasa, en pinceladas muy difuminadas… prácticamente sin profundizar.

“Eso es exactamente lo que tú has hecho, encerrarte en tu vida… y yo también, pero esto tiene que cambiar”

Por este motivo, con todos estos temas tan interesantes que tenía por delante la película por analizar, ésta se presentaba con muy buenas expectativas para el espectador... pero una vez visionada, la película se queda escasa y en eso… en sólo expectativas y promesas, en nada más.

“¿Sabes lo que he hecho durante esos 30 años con mi vida?... Nada de nada"

Y es que el problema radica en que la película no consigue llegar al espectador. Se queda aparcada en un punto inerte carente de toda emoción o sensibilidad… Se disipa en un ocaso de sexo, palabras, recuerdos, reproches y alcohol que hace que el espectador pierda todo el interés y credibilidad en la historia contada.

“Hombre, yo no diría eso… Has hecho una carrera de las que pocas mujeres a tú edad pueden presumir”

“Tú no me entiendes… Eso precisamente no es nada. Yo no he vivido… no he tenido juergas ni amigas íntimas… Ni amores, ni desgraciados ni correspondidos… nada”

Si bien es cierto que la película contiene ciertos puntos de interés y que analiza muy por encima ciertos temas importantes de la sociedad actual… pero éstos son tratados de una forma tan superficial y banal, que se quedan ahí, en la superficie… sin llegar a ningún buen puerto.

“Qué tal estás?...

“Ideal, estoy tan bien que no se si tener otro hijo o separarme”…

Esta superficialidad y escaso rigor a la hora de tratar estos temas “importantes”, consiguen que el film acabe convirtiéndose en una película irregular e inestable. La historia llega a un punto en la que se para y no avanza… para acabar derrumbándose, provocando una sensación de vacío y frialdad .

¿Las interpretaciones? tenemos un poco de todo… Excepto las destacadas interpretaciones de las tres hermanas interpretadas por Pilar Punzano, Silvia Marsó y Rosa Mariscal, el resto del plantel (Guillaume Depardieu, Nancho Novo, Guillermo Toledo, Esther Ortega, Paz Gómez o Fanny Gautier) carece de la fuerza necesaria que exigían los personajes descritos en novela de Lucía Etxebarría… En este sentido, nos dice la Web de La Butaca:

“A Miguel Santesmases le ha salido una película de mujeres, en la que las actrices llevan todo el peso de la acción y los hombres (Guillaume Depardieu, Nancho Novo y Guillermo Toledo) son meras comparsas de acompañamiento. Esther Ortega y Paz Gómez son las secundarias de lujo que le hacen coro a este magistral trío de intérpretes formado por una enérgica Pilar Punzano, una sobria y elegante Rosa Mariscal y una conmovedora Silvia Marsó”

Una pena porque la película tenía la posibilidad temas muy interesantes que se abordan en la novela de Lucía Etxebarria. Aunque el guión, escrito por la propia Lucía y por Miguel Santesmases, sea una adaptación libre de la propia novela, sin embargo si se podía haber realizado una historia con una mayor consistencia y credibilidad con los temas tratados y analizados. Su director, Miguel Santesmases, no logra mantener un hilo de interés continuo y uniforme a lo largo de toda la película…

“Oye, hazte valer y ocupa este despacho”

“No seas paternalista”

“Maternalista, en todo caso”

¿Estamos ante una película recomendable de ver?... Sí, pero también estamos ante una película “prescindible” de ver…

“Bueno ¿y tu que opinas?”

“No se… que… que la vida no hay que desperdiciarla, ¿no?”

Entretenida, sin más… Tampoco es una pérdida de tiempo si finalmente os animáis a verla, aunque posiblemente tengáis pendientes de ver otras películas… que a buen seguro, os aportarán más. Vuestra es la decisión.

LA SOLEDAD (de Jaime Rosales)

“¿Se puede oír el silencio? Jaime Rosales respondería tajante que sí. Es en las transiciones silenciosas, en la quietud herida del natural devenir del tiempo, que discurre en flujo calmo y perfectamente armonioso en este mosaico de retales de humanidad hurtados a la realidad inasible e invisible, donde La soledad se hace oír con mejor transparencia. Una de esas películas inabarcables, en las que se oye el eco de lo inefable, en las que pesa igual el antes del principio que después del final”

Este es un fragmento extraído tal cual de una crítica expresada en el periódico digital 20 minutos.es y que me gustó especialmente para comenzar este post porque sí, efectivamente La Soledad es una película caracterizada por sus grandes silencios. Hay ausencia de música, de ruido o de cualquier otro tipo de sonido ambiental… En ella sólo abunda la nostalgia, el pesimismo… y la soledad.

Sí, de acuerdo, los silencios son una técnica que utiliza a la perfección Jaime Rosales y más aún a lo visto en su última película Tiro en la cabeza, donde a lo largo del todo el film sólo se pronuncia una palabra, txacurra (perro en euskera)… Y seguramente La Soledad pase a la historia del cine español, además de por sus 3 Goyas recibidos en el año 2008, por ser una película innovadora y diferente en su forma de exponernos su historia.

…Pero La Soledad es una película que no me ha gustado ni me ha convencido… En mi opinión, para que una película adquiera el calificativo de “buena película”, además de ser innovadora en la forma, la exijo más, un plus añadido… Y lo que la exijo es, que la historia que me cuente, me tiene que emocionar, entusiasmar, atrapar mi interés y sobre todo… tiene que no aburrirme. Y nada de esto ha conseguido conmigo la película de Jaime Rosales, excepto lo de aburrirme.

Y soy un amante de las películas donde el silencio es el protagonista absoluto de la historia (Garci, por ejemplo, es un especialista en filmar grandes silencios pausados y dialogados)… Pero además exijo, que la historia que me estén contando, me aporte algo o que al menos me entretenga o atrape mínimamente mi interés hacia ella.

Y soy el primero en reconocer que la La Soledad de Jaime Rosales retrata magníficamente la vida de unos personajes cotidianos y cercanos con un realismo escalofriante para el espectador. Personajes que son extraídos de la sociedad más humana, cercana y realista. Son gente normal, gente que trabaja, gente que viaja en autobús, gentes con una hipoteca… o con una enfermedad grave. Gente que intenta sobrevivir y adaptarse cada día al ritmo frenético que le impone la sociedad… Gente que no son héroes, sólo son gente normal.

Rosales supo elegir con mucho acierto a un grupo de actores prácticamente desconocidos popularmente con el fin de lograr con el espectador una mayor empatía y cercanía con los personajes descritos en el film.

Actores que en sus interpretaciones logran expresar magistralmente fragmentos de la sociedad más cercana y realista.… Actores como son Sonia Almarcha (Adela), Petra Martínez (Antonia), José Luís Torrijo (Pedro), Miriam Correa (Inés), Nuria Mencía (Nieves)… y otros muchos que son sin duda lo mejor de la película, sus excelentes interpretaciones de todos y cada uno de ellos.

Una crítica del diario El Mundo corrobora este gran trabajo interpretativo realizado en su conjunto por todo este gran elenco de actores "Una mirada múltiple que destila autenticidad, emoción y sabiduría, cinematográfica y humana. Los actores, sin excepción, mantienen un deslumbrante tono de naturalismo magnético”

La actriz Petra Martínez, que con realismo y dosis de credibilidad da vida al personaje de Antonia, nos cuenta lo siguiente sobre su personaje “El personaje de Antonia es un personaje corriente; una persona que puedes encontrar en la calle, debajo de tu casa. Yo diría que es un personaje tan corriente que hay algo en ella que te suena familiar. En Antonia veo la síntesis de lo que es una madre. Lo hace todo por sus hijas; sufre en silencio; se preocupa por cada una de ellas; está siempre disponible. Ese amor por los hijos es algo que comprendo muy bien, algo con lo que me identifico claramente. Las historias que cuenta la película son situaciones muy creíbles, desgracias de la vida misma”

Por su parte, la actriz Sonia Almarcha nos habla así de su gran satisfacción que le ha causado el haber tenido la oportunidad de interpretar un personaje como el de Adela "ha sido un gran regalo para mí. Me siento muy privilegiada de haber podido ponerme en la piel de esta mujer. Adela es una mujer valiente, decidida, que apuesta por cambiar su vida. Es una madre que se ha criado sin la suya y que ama a su hijo y no se conforma. Es una mujer sola, poco habladora. Una mujer a la que el silencio no le asusta; se siente a gusto en él. Creo que la entiendo bien, entiendo sus ganas de vivir, su amor a su hijo, su seguridad"

Y a Jaime Rosales hay que apropiarle este gran mérito, el de haberse sabido rodear de un excelente grupo de actores que consiguen todo un recital coral de registros interpretativos… En este sentido, la actriz Petra Martínez continúa hablándonos de la forma que tiene Rosales de trabajar con los propios actores:

“Jaime trabaja con un equipo de gente en la que confía plenamente. Me llamó la atención la forma que tiene de situarse en el rodaje. No ve el rodaje a través del combo. Se sitúa estratégicamente en el set siempre del lado de los actores. Eso quiere decir que los actores le importamos mucho y eso nos da confianza. La peculiar forma de trabajar que tiene y la manera de contar las historias es lo que creo que hará que esta película sea muy especial. Yo creo que habrá momentos en los que el público se emocionará y otros en los que verá la acción de una forma mas distanciada”

Fuera a parte de que la película pueda gustar más o menos, o que pueda aburrir más o menos, lo que es indiscutible es que Rosales es un todo un innovador en la forma/técnica que utiliza para contar historias. Rosales tiene un concepto diferente al resto de directores respecto al modo de contar historias. Concretamente me estoy refiendo a su técnica experimental denominada “polivisión”, técnica que el propio Rosales la justifica de la siguiente manera:

“Desde mi punto de vista, realizar una película no consiste únicamente en tejer una historia mediante una tecnología audiovisual. Sin renunciar al placer que proporciona el relato, el director de cine tiene el deber de añadir otras dimensiones a su obra. La creación cinematográfica pasa por encontrar nuevas formas de percepción. Encontrar maneras nuevas de mostrar imágenes o enlaces entre imágenes. Aunque se corra el riesgo de fracasar, hay que intentar ir más allá. Ahí es donde entra la polivisión”

Antes de describiros lo que es "polivisión" en palabras del propio Rosales, quiero mostrar mi disconformidad con este punto de vista tan personal de Jaime Rosales. No creo, y más en tiempo actuales, que estamos inundados y saturados por un cine que nos bombardea continuamente con continuas innovaciones técnicas y tecnológicas, que la clave de sorprender y entretener al espectador resida en las formas de percepción… Pienso que lo que de verdad importa en una película es que nos cuente una buena historia, independientemente de la forma, formato o técnica que utilice como medio para contarla.

Desde que en 1991 James Cameron nos sorprendiera con los espectaculares efectos especiales de Terminator 2, El juicio final y posteriormente en 1999 los hermanos Wachowski no dejara a medio mundo con la boca abierta con las técnicas audivisuales utilizadas en Matrix, la industria cinematográfica nos ha "bombardeado" continuamente con todo una batallón de películas empeñadas en utilizar las técnicas más innovadoras y los planos más impactantes con el único fin de sorprender al espectador, pero descuidando por completo sus guiones y su tensión argumental… Y el cine actual más comercial se ha convertido en toda una competición de a ver quién sorprende más con los planos o con las técnicas audiovisuales más impactantes, en lugar de preocuparse en contar buenas historias.

Por esta razón muestro mi disconformidad con las palabras de Rosales. Como espectador quiero que me sorprendan con el contenido y no “con el adorno”… Que me sorprendan con buenas historias y no con su forma de percepción. Vosotros, ¿qué preferís?

La Soledad está contenida de muchas escenas y planos audiovisuales muy experimentales y poco vistos hasta su estreno. Planos de lejos, de espaldas a los actores, planos exteriores rodados desde el interior de una vivienda con la ventana cerrada… Otras veces la cámara es estática y no sigue a los personajes… Otras veces se nos divide la pantalla en diferentes planos para mostrarnos la misma escena pero en distintas perspectivas…

Todas estas técnicas audiovisuales utilizadas hacen de la La Soledad que estemos ante una película totalmente experimental e innovadora en el método y modo de transmitirnos las imágenes. A esta técnica Rosales la denomina “polivisión” y la describe de la siguiente manera:

“La polivisión ha consistido en dividir la pantalla (formato cinemascope) en dos mitades iguales. Cada mitad corresponde a un punto de vista diferente sobre una misma escena. A veces se trata de dos ángulos sobre un mismo espacio (por ejemplo la cocina de una casa vista desde dos posiciones distintas). Otras, una visión simultánea sobre dos fragmentos de un espacio escénico más amplio (por ejemplo, el comedor y el salón de un apartamento sobre el que los personajes vienen y van)”

Para quiénes os interese seguir sabiendo más sobre esta nueva técnica, Rosales continúa en el siguiente párrafo con su explicación… Pero si no os resulta interesante... podéis omitir el siguiente párrafo:

“La idea detrás de la polivisión ha sido crear un código homogéneo a partir de un conjunto de reglas cuya función es aportar un sistema de percepción distinto al del formato natural. El reto y la dificultad han consistido en lograr un cierto distanciamiento y ruptura respecto a la lectura natural sin que dicha ruptura constituya un freno al tránsito de emociones. Alrededor del 30% del metraje total está rodado en polivisión”

Con esta técnica de la "polivisión" los espectadores somos más voyeurs que nunca porque consigue la sensación de habernos metido en la propia casa de los actores, sin su consentimiento ni permiso. Esta técnica de Rosales convierte a los espectadores en mero espías y observadores pasivos de todo lo que ocurre en la escena. Al respecto, añade Jaime Rosales:

"La polivisión ha consistido en dividir la pantalla en dos mitades iguales. Cada una corresponde a un punto de vista diferente sobre la misma escena. A veces, se trata de dos ángulos de un mismo espacio; otras, visión simultánea"...

Pero yo ahora me pregunto ¿qué fin persigue conseguir Rosales con todos estos planos tan innovadores y experimentales? ¿Jugar con el espectador? ¿Realmente aportan algo a la historia?... Muchas de estas escenas que incorporan planos tan innovadores acaban resultando extrañas y algo “agobiantes” para el espectador ya que despistan y al final provocan el perderse en la trama y tensión argumental de la película.

Dividen la pantalla… y también la atención de espectador porque ayudan a confundir y a perder interés por la trama de la historia.

Lo que está claro es que el cine que realiza Jaime Rosales es un cine de autor demasiado personal, y como ocurre con todo de cine de autor o como ocurre con otros directores que realizan también un cine muy personal (José Luis Garci, Agustín Díaz Yanes, Julio Medem o el propio Bigas Lunas.…) pues o que se es un fiel devoto de su cine… o por el contrario se le detesta.

En definitiva, he etiquetado a La Soledad como "Peli no guapa"… ¿"Peli no guapa" y ganadora del Goya como mejor película en el 2008?... Así es… y no voy a entrar a valorar el por qué una película como El Orfanato se quedó sin el Goya a la Mejor Película cuando internacionalmente había sido laureada por medio mundo… Ni tampoco voy a entrar a opinar si Siete mesas de billar francés igualmente hubiera merecido una mejor suerte… Pero sí diré que, una vez más, se demuestra que en España es muy complicado lo de "ser profeta en la misma tierra que te vió nacer”...

Si nuestra Academia no sabe valorar lo que internacionalmente ha sido reconocido por todo el mundo… es un problema que debería hacernos reflexionar.

Y es evidente que La Soledad contiene cosas muy buenas y goza de algunas escenas dignas de resaltar, como es la que sucede en un momento en la que la trama de la película estaba demasiado estática, cuando el espectador empieza e impacientarse porque no ocurre nada… y de repente sucede una escena impactante.

Es una escena que sucede cuando tiene que suceder, en el momento preciso. Una escena dotada de tal poderío e impacto sorpresivo para el espectador que me recordó a una escena similar que tiene lugar en la película El Crack de José Luís Garci. Si sois buenos cinéfilos, posiblemente ya habréis adivinado a qué dos escenas me estoy refiriendo. Ambas, geniales escenas.

¿Qué tiene La Soledad para haber recibido tan buenas críticas?... Pues yo a ciencia cierta la verdad es que no lo se, aunque por supuesto que la daré una merecida segunda oportunidad con el fin de intentar adivinarlo… Pero es evidente que estamos ante una película muy respetable aunque sólo sea por ser una película diferente y arriesgada en su forma de contarnos su historia y mostrarnos su trama.

Lo que está claro es que algo debe de tener La Soledad por sus 3 Goyas recibidos en el 2008 (Mejor Película, Mejor Director y Mejor Actor Revelación-José Luís Torrijo) y a tenor de las amables palabras que recibió por la mayoría de la crítica…

El Mundo "Una película tan rara como turbadora. Jaime Rosales sigue experimentando con el lenguaje narrativo pero, a diferencia de tantos impostores y modernos, él consigue resultados atractivos"

El País "Un reparto sobresaliente contribuye a hacer del resultado algo tan inusual que debe ser llamado por su nombre: una obra maestra"

ABC "Rosales busca un cine que emana de lo monótono, de la rutina, y trasciende por sí mismo hasta lo excepcional”

Preguntas y Flores "Sencilla e intimista, original en su propuesta, interesante...La mejor película del año...no hace falta tener actores que cobren una pasta, basta con gente que tenga capacidad de trabajo, ilusión, mucha ilusión y sobre todo, confianza...y cierto margen de libertad si tu oficio es el de actor, pues ante todo somos personas que sentimos y padecemos, como todos los demás"

Aunque también es cierto que no todas las críticas recibidas fueron flores… También hubo alguna opinión muy “crítica” con la polémica técnica experimental de la polivisión, como la expresada en Blog de cine:

“No se trata en este caso de filmar acciones paralelas partiendo la pantalla (como por ejemplo pueden hacer en la serie de televisión ‘24’), no, se trata de filmar la misma acción desde varios puntos de vista. Sí, eso es lo que hacía Fleischer, pero Rosales hace otra cosa: se rasca la barriga, mientras no nos cuenta absolutamente nada durante dos horas largas. Y ojo, que la película no me parece un bodrio, pero que haya sobresalido en la última gala de los Goya por encima de films como Siete mesas de billar francés o El orfanato, tiene delito”

La Soledad es una película dura, esencialmente amarga y triste. Repleta de conversaciones cotidianas, normales... pero sin ninguna tensión argumental. Es una película sin música, saturada de silencios... y de soledad. Yo no me lo pasé bien viéndola, se me hizo larga y aburrida. Pero que ustedes… la disfruten mucho.

“Aquí en Madrid, sola la pobre con un hijo. No debe ser fácil, ¿verdad?”

“Pues no, pero bueno, aquí en Madrid, como casi nadie es de Madrid, te acostumbras en seguida, ¿no?”

EL ALQUIMISTA IMPACIENTE (de Patricia Ferreira)

“Tan sólo me gustaría ser capaz de entender por qué un hombre como él quiso pasar la raya, por qué un mal día decidió partir sin billete de vuelta hacia ese lugar oscuro y solitario donde el azul se desvanece”

Pues de esta manera tan filosófica y elegante se despide este film dirigido por Patricia Ferreira y que a priori contaba con una trama (descrita por la web de La Butaca) así de interesante:

“El cadáver de un hombre desnudo y atado a una cama aparece en un motel de carretera. El sargento Rubén Bevilacqua (Vila) y su compañera, la guardia Virginia Chamorro, reciben la orden de investigar la muerte, asunto especialmente delicado porque se trata de un ingeniero de una central nuclear y se han desatado las especulaciones tremendistas en la prensa…”

Una historia prometedora, muy intrigante, ¿verdad?... Basada en la novela de Lorenzo Silva que ganó el Premio Nadal en el año 2000, El alquimista impaciente cuenta con un atractivo elenco de actores (tanto en los papeles protagonistas como en los secundarios), con Marcelo Camerino como Director de fotografía, con la banda sonora de Javier Navarrete…

“¿Por qué la has mentido?”

“Quién sabe cuál es la verdad”

Como podéis comprobar la película tiene todos los componentes necesarios que seducen e invitan a verla… ¿Se trata o no de un crimen?... añade la descripción de la Wikipedia… Todas las expectativas apuntan a que estamos ante un film en el que nos espera buena dosis de acción, tensión y emoción…

... Pues ya siento tener que decepcionaros pero os tengo que decir que, bajo mi modesto punto de vista, El alquimista impaciente no consigue ninguno de los objetivos que se propone y claro, como consecuencia… acaba decepcionando… y mucho.

“Nosotros sólo levantamos historias que tengan suficiencia consistencia para que las admita el juez, son sólo historias… por qué no elegir para ella una que le consuele”

Todas sus expectativas se quedan en eso… en sólo expectativas… que no llegaron a buen puerto. Una pena porque tenía grandes esperanzas puestas en esta película…

“Jamás me he sentido dotado de…, no se, de una clarividencia especial… pero mi destino en esta unidad me obliga a ser o al menos a aparentar que soy, un investigador experto cuando comparezco en un asesinato de provincias”

El alquimista impaciente no consigue en ningún momento que el espectador se sumerja y se implique en la historia que nos quieren transmitir… ¿Y por qué no?... Pues no es fácil saberlo con certeza y sin miedo a equivocarse… pero posiblemente uno de los motivos causantes sea el que la película esté rodada en un formato visual carente de atractivo, formato éste que se asemeja más al de una serie televisiva que al de una película de cine.

Vamos, que la sensación que translada la película al espectador es la de estar inmerso dentro de algún episodio de El Comisario o de Cazadores de Hombres o de alguna otra serie policíaca de la televisión actual más que la de estar dentro de una película destinada para ser estrenada con formato de cine.

“No era frecuente que Chamorro y yo llegáramos en caliente a la escena del crimen. Casi siempre tenemos que conformarnos con una cuantas fotografías y con lo que los guardias del lugar aciertan a contarnos. Pero aquel día, estábamos de suerte…”

Aún reconociendo que la película cuenta con una historia buena y que su guión está bastante bien estructurado e hilado, sin embargo El alquimista impaciente cuenta con unos puntos tan débiles y flojos que acaban por convertirla en una película de calidad media… y casi mediocre.

“¡10 años buscando asesinos!... ¿se puede vivir con el recuerdo de todos esos crímenes a cuestas?”

“Como casi todo el mundo prefiero creer que estoy de vuelta de muchas cosas… Con el tiempo, lo único que queda por encima de cualquier otro recuerdo… es la conciencia de lo mucho que desea la gente avasallar a otra gente”

Pero bueno, también hay que ser justos con ella y reconocerla que la historia que se nos narra visualmente está correctamente documentada y alimentada con una buena dosis de intriga y tensión al más puro estilo de C.S.I. … Dosis que no cuenta con la fuerza suficiente de arranque y enganche para poder atrapar la atención y pasión del espectador.

“Es simple y redondo como un cubo”

“Por eso mismo puede ser falso”

…¡Ah! y también nos podemos encontrar en ella alguna reflexión interesante como es la siguiente:

“Alguien me dijo una vez que la fuerza más destructiva del mundo no es el odio sino el amor… Y que si quería ser un buen investigador, debía aprender a reconocerlo cuando me encontrara ante él”

… Igual de cierto (y justo) es decir que cuenta con actores de primera fila para los papeles de más peso interpretativo como son Ingrid Rubio (Virginia Chamorro ), Roberto Enríquez (Sargento Rubén Bevilacqua) y Chete Lera (Dávila). Y que también goza de intervenciones de grandes actores como son Adriana Ozores (Blanca Díez), Miguel Ángel Solá (Zaldívar) o Jordi Dauder (Ochaita) en papeles más secundarios pero con una gran intensidad interpretativa.

Pero si en general todo el elenco de actores están correctos en sus interpretaciones… entonces, ¿en dónde falla la película?... Pues aunque es difícil de explicar y de entender porque puede parecer contradictorio…. pero es en su conjunto y de forma global donde falla la película.

Por un lado no existe en ella la atmósfera de emoción e intriga que exigía y demandaba la novela de Lorenzo Silva.

Y por otro lado, sí, de acuerdo, dispone de buenos actores pero... ¿de qué valen las buenas interpretaciones si no existe química alguna ni conexión emocional entre los personajes?

Por ejemplo, no existe ningún tipo de feeling ni de empatía emocional entre los personajes protagonistas de Ingrid Rubio (Virginia Chamorro) y Roberto Enríquez (Sargento Rubén Bevilacqua). No cabe duda de que los dos son grandes intérpretes y que así nos lo han demostrado en infinidad de ocasiones... pero en El alquimista impaciente tienen unos personajes sosos y pobres en registros que no les da para mucho juego…

“Siempre se te nota cuanto te gusta una mujer”

“Sólo si me produce curiosidad”

Intento fallido de coqueteo y juego de seducción entre el Sargento Rubén Bevilacqua y Virginia Chamorro que la directora del film, Patricia Ferreira, intenta continuamente transmitirnos en sus conversaciones... y que acaba resultando ficticio y nada creíble para los ojos del espectador.

“Gracias Virginia, no se que haría sin ti”

“Entonces, ¿no te arrepientes de haberme aceptado como pareja?”

“Sólo me arrepiento de lo que no he hecho”

Por último, añadir que la película cuenta con unos personajes de muy segundo nivel (casi de relleno) que ayudan poco o nada a conseguir que El alquimita impaciente sea una buena película. Por ejemplo, aparece un Juez con un parecido razonable al del Juez Baltasar Garzón que resulta cutre de visionar solamente por jugar con tal afinidad… O la presencia en algunas escenas de personajillos con apariencia mafiosa y dotados de una pésima formación interpretativa… son detalles que hacen que El alquimista impaciente pierda seriedad y calidad en su facturación final.
“Pienso que… pienso que fue el dinero lo que le transformó… igual que el oro a los alquimistas impacientes”

Ojo, no es que El alquimista impaciente sea una película espantosa y soporífera de ver… pero no consigue alcanzar un nivel de aceptable calidad. Se queda sólo en el intento, en el mero entretenimiento… Su visionado se puede seguir con el mismo interés que el que requiere una serie televisiva policíaca o de investigación criminal… Pero no tiene ninguna otra pretensión.

Lo tenía todo para haberse convertido en una gran película… pero a veces en el cine, como en la vida misma, las previsiones, los cálculos y las cuentas… no resultan tal y como lo habíamos planeado.

“Me siento… como si no hubiera acabado los deberes”

“Pero hay veces que no se puede llegar más lejos… Es como cuando miras al cielo profundo, por mucho que fuerces la vista, no ves nada. El ojo alcanza hasta donde alcanza”

Pues así me siento yo esta vez con esta entrada… como si no hubiera acabado los deberes…. Pero es que esta película no da para más, es lo que hay. Una película sin mucha chispa… Pues eso.

LADRONES (de Jaime Marques Olarreaga)

“Hay que hacerlo de un tirón, sin pensarlo, sin dudas… o te cogerán”

Ladrones es una historia sencilla, que entretiene sin más y que su gran atractivo promocional se basó en ver la química que desprendían sus dos jóvenes y guapos intérpretes… Juan José Ballesta y María Valverde (Sara), juntos por primera vez en una película. El problema es que, lamentablemente, la película se quedó sólo en eso… en el disfrute visual para los fans de Ballesta y de María Valverde de deleitarse con sus interpretaciones.

Sí, ya lo sé, otra vez Juan José Ballesta haciendo de joven delincuente, con problemas… pero en Ladrones nos regala una interpretación seria, estable y con aplomo interpretativo.

La película en una ópera prima de Jaime Marques dirigida con muy buenas maneras (e intenciones) pero con acentuada ausencia de ritmo y emoción. Durante toda ella el espectador espera continuamente más de ella, espera algún momento que le sorprenda… pero ese momento no termina por llegar… y finalmente no llegará…

Para su realización Jaime Marques se basa en dos puntos de apoyo… Por un lado en el trabajo (y gran atractivo) de la pareja protagonista y por otro lado, en el diferente y cuidado 'look' narrativo que inyecta a la historia… con más silencios que diálogos y con una refinada y elegante fotografía. En este sentido, en una entrevista del propio Marques señalaba que “la complejidad de la película ha estado en entrelazar esta historia con la de la búsqueda de la madre de él y el 'thriller'”

Los primeros compases de la película se reducen prácticamente a unas imágenes estilosas y silenciosas fundidas con una música excelente de fondo compuesta por Federico Jusid. En ellos se nos cuenta la salida del centro de Alex (Juan José Ballesta) y su adaptación al entorno… Alex tiene que enfrentarse de nuevo con la sociedad, ganarse la vida… y todo ello nos lo cuenta el director de una forma escueta, sin apenas palabras. En estos primeros momentos… las imágenes hablan y se valen por sí solas.

Y enseguida llega el momento más esperado… el encuentro entre Alex (Juan José Ballesta) y Sara (María Valverde). Es el momento más especial de la película… Se conocen de una manera original, con estilo y clase… No os voy a robar este gran momento… Descubrirlo vosotros mismos, os lo recomiendo.

Y comienzan las clases del maestro a su alumna principiante… y comienza a funcionar la química entre los dos protagonistas… Pero a partir de aquí la película decae en emoción y se convierte en lineal… Mantendrá su estética y elegancia como rasgo diferencial… pero adoptará un ritmo uniforme carente de toda emoción y sentimiento.

El feeling existente entre sus dos protagonista no es suficiente para sostener la película y salvar la historia, que peca de falta de ritmo y emoción… Sí, vale, es indiscutible que el film está dotado de una estética elegante (a modo video clip) al más puro estilo de película americana… Elegante es la palabra que mejor define a su estética… Colorres oscuros, sepias… Pero tal elegancia no es suficiente para no tachar a la historia de fría y carente de sentimientos.

En lo referente a su realización, al film hay que reconocerle su apuesta estética innovadora y elegante por utilizar planos intensos de luz, repletos de contrastes blancos y negros y encuadres amplios y luminosos... Pero tal apuesta no es suficiente para dotar a la película de la dosis de calidez emocional necesaria para conseguir atrapar la atención y los sentimientos del espectador… Sus planos, llenos de elegancia y diseño, se quedan vacíos de ternura y calor humano.

Por otro lado…tanto plano corto, tanta cámara lenta, tanta seriedad…. acaban cansando y agobiando al espectador. Las imágenes, aunque estéticamente bellas y elegantes, no transmiten ninguna emoción ni vibración sentimental al espectador.

Como os habéis podido percatar estamos ante una película que predomina el aspecto visual y musical sobre los diálogos. Hay mucho plano corto, mucha música intimista, muchos silencios, muchas miradas contempladoras y reflexivas… Y esto exige a los actores tener que realizar un gran trabajo interpretativo de gestos y miradas para lograr transmitir correctamente a los espectadores lo que su director quiere que comuniquen.

En este sentido María Valverde decía lo siguiente en una entrevista promocional de la película "Para un actor, decir cosas en silencio es mucho más difícil que con palabras" y Juan José Ballesta añadió al respecto "Me gustan las películas sin texto, porque me parecen más difíciles, y me gustaría que me llamaran para una película de autistas". Curioso.

Como ya he comentado, la película dotada de una estética donde predomina la música de fondo con imágenes a cámara lenta… Con tantos silencios, con tantas miradas… y con tan pocos personajes y con tan pocos escenarios… la música es esencial para crear la atmósfera propicia que buscaba el director… y para ello la música compuesta por Federico Jusid es lo mejor de la película y de esta forma reconoció su gran trabajo el propio director del film, Jaime Marques "Ha hecho un trabajo fantástico, escena por escena"

Juan José Ballesta está correcto en su papel. Transmite sensatez, madurez y credibilidad con su interpretación… Un trabajo interpretativo muy serio es suyo… quizás “demasiado” ya que sí se echa de menos en su personaje alguna sonrisa, alguna mueca agradable… Y es que Alex, su personaje, mantiene (como la propia película en sí) una frialdad lineal, sin expresión alguna… Seriedad total… pero gran trabajo interpretativo.

“Claro, a tu edad nada es para siempre”

María Valverde interpreta con mucha naturalidad y soltura a Sara, una joven ingenua (y a la vez inquieta) que se adentra en los mundos prohibido de la delincuencia por pura curiosidad, no por necesidad… sólo como juego. La interpretación de María, una vez más, desprende sensualidad y misterio en cada plano que aparece… y consigue lograr sin mayor problema que los espectadores nos creamos su personaje de joven aprendiz aspirante a ladrona de guante blanco.

No os penséis que Ballesta y Valverde son los únicos personajes de la película. Son el eje principal pero el film cuenta además con actores secundarios de la talla de Patrick Bauchau (anticuario), Carlos Kaniowsky (peluquero), María Ballesteros (madre), Grandes actores que complementan el reparto actoral pero sin eclipsar a la pareja protagonista principal... que de eso se trataba.

Ladrones es tan fría como un témpano de hielo y si a ello añadimos que tiene un final previsible que sorprende poco o nada por su escasa originalidad… todo esto convierte a Ladrones en una película que no alcanza, para mi juicio, el aprobado. No transmite, no emociona… no sintoniza con los sentimientos del espectador...

La película además de ser fría es también muy seria y pesimista. No hay apenas alegrías ni sonrisas en los rostros de sus protagonistas… Abundan los primeros planos con caras muy serias… y como ya he comentado anteriormente, el rostro de Ballesta durante todo el film es inamovible. Sin gestos, sin emociones... el mismo gesto de seriedad y preocupación desde el inicio hasta el final... De muchacho atormentado e inundado de tristeza.

Hablando de frialdad… La película pasó de manera un poco distante y de fría por las salas de cine (como la propia película), sin hacer mucho ruido... aunque el Festival de Málaga y posteriormente la crítica la reconoció sus buenas intenciones. De las muchas críticas que me topé virtualmente… me quedo a modo de muestra con las tres siguientes:

La Butaca “Jaime Marques Olarreaga ha filmado una ópera prima que respira sensibilidad y emoción, hondura y dramatismo. Posee una estética muy cuidada, donde la puesta en escena y el montaje sirven para contemplar a unos personajes tratados con delicadeza”

Film Affinity "Ladrones no creo que pase a la historia del cine español... No obstante, tiene el poder de atraparte de forma intrigante y curiosa durante los 100 minutos que dura la historia, sobre todo gracias al trabajo de los dos protagonistas (Juanjo Ballesta conserva su carisma y María Valverde es pura naturalidad) y a la química que se palpa entre ellos a través de una relación intensa y peligrosamente atractiva”

El País "Gran debut… se elimina todo lo superfluo… para centrarse de este modo en la magnífica factura (fotografía, música, montaje), y sobre todo en el poder de los primeros planos y en la química existente"

Por último, me llamó la atención en un reportaje donde leí unas declaraciones del propio director, Jaime Marques, donde contaba que el proyecto de Ladrones comenzó cinco años antes de rodarla "como una película de terror sobre carteristas"... pero que… "al final se coló el amor y terminó siendo una historia de amor". Muy curioso.

En definitiva, en mi opinión, Ladrones es un película sencilla, esencialmente visual, con pocos escenarios y personajes… y con un resultado final frío y poco emotivo para el espectador. Dotada de una puesta en escena elegante, de una música impecable, de unos jóvenes actores guapos y talentosos…Vamos, que tenía todos los componentes para haberse convertido en una gran película… Pero, a veces, no todos estos ingredientes son suficientes si el maestro de ceremonias no sabe dirigirles y mezclarles con la maestría y sabiduría necesaria… Y en este caso, todos estos elementos no han sido suficientes para convertir a Ladrones en una buena película.

Ya me contaréis (si la habéis visto ya… o cuando la veáis)… qué os pareció a vostros… GRACIAS.