MÍA SARAH (de Gustavo Ron)

“Bien, empecemos. Lo primero que debemos decidir es la temática de nuestra trampa. Algo sencillo, cotidiano, que no levante sospechas… Esperamos, esperamos con paciencia… porque ya tenemos el sabroso despiste que se convierte en… ¡el perfecto anzuelo para la verdadera trampa!”

Mía Sarah es una película extraña, innovadora… genial y curiosa. Pero a la vez… estamos ante una película original en su planteamiento, una historia donde se entremezclan juegos amorosos con seducción, literatura con psicología… y personas inmortales con sabiduría y maestría.

“Eres la primera persona que se ríe conmigo y llora al mismo tiempo, quiero decir, la primera persona cuerda”

Curiosa, innovadora, con un argumento ágil y diferente… adornada por la música mágica y envolvente de César Benito… Al más puro estilo de comedia romántica americana de las de antes…

¿Género cinematográfico de la película?... Inclasificable… pero bonita y entretenida de ver, sobre todo para los románticos y amantes de historias sencillas pero tiernas y sensibles.

“No nos pongamos nerviosos… Tendremos que observar, estudiar y cuando estemos seguros… ¡actuar!”

“¿y mientras tanto?”

“Mientras tanto… cortina de humo”

Toda la película tiene una estética de nostalgia antigua… Amores pasionales de los de verdad, intensos y eternos… Amores de seducción que quizás ya están un poco desfasados para algunos… pero sin embargo tan añorados para otros…. Amores de conquista mediante artimañas románticas… con palabras bonitas, con intercambio de miradas…

“El origen de todo está en la mirada”

Sólo si vemos el eslogan de su cartel cinematográfico “Enamorarse es el más apasionante de los cuentos”… os podéis hacer una idea de lo que os vais a encontrar en Mía Sarah. La película desprende un aroma romántico “a la antigua usanza” que invade toda la atmósfera de la película…

“Para ti, que desearías morirte en este preciso instante… una canción de amor”

Así de romántica y sensible es esta película. Si sois partidarios de los amores pasionales y de los amores para toda la vida… ésta es vuestra película.

¿Lo mejor de la película?... sin duda alguna la gozada que supone el poder disfrutar de una de las de las últimas interpretaciones magistrales que nos dejó como legado el maestro de los maestros… el inmortal Fernando Fernán Gómez…

“La tortura del amor requiere paciencia pero es la que ha hecho caer a los más grandes colosos”
(¡Qué delicia supone escuchar estas palabras en boca de Fernando Fernán Gómez! ¿Hay alguien en la historia del cine español que haya pronunciado y vocalizado así de bien la lengua castellana a la hora de interpretar?... Su voz, única e irrepetible, junto con las igualmente inolvidables voces de Francisco Rabal y Fernando Rey… han sido, sin duda, las grandes y portentosas voces del cine español.

Fernando Fernán Gómez nos regala como legado una interpretación dulce, sabia y amable, en sintonía con la que nos ha deleitado durante sus últimos años (La lengua de las mariposas, El abuelo, En la ciudad sin límites...). El propio Fernando os invita y recomienda que veáis Mía Sarah… ¿Queréis comprobarlo?... Pues haced clic aquí y lo veréis.

“¿Dónde va esa chica loca?”

”En busca de un chico loco...”

Además del genial personaje de Paúl, interpretado por el genio de Fernando Fernán Gómez, la película está llena de agradables sorpresas como es la interpretación fresca y agradable Verónica Sánchez (con su personaje de Marina) , que no hace más que confirmar lo buena actriz que es (como así intuíamos en las interpretaciones que nos deleitó en películas como Al sur de Granada, Camarón… o en su acertada intervención en Las 13 rosas)… Está muy natural en su interpretación de la inocente y frágil Marina.

“¿Te gusta mi hermana?”

"Si”

"Pero... ¿cómo te gusta?”

"Mi turno, pregunta-respuesta, ¿no? Trasládate fuera de ésta casa, a la calle.., ¿qué estás haciendo?”

"Volver a entrar, ¿qué te gusta de mi hermana?”

"Me gusta su sonrisa, su mirada intensa, pero sobre todo, lo que más me gusta es su espontaneidad”

Por otro lado tenemos también a un Daniel Guzmán en el papel de un gracioso e indeciso psicólogo llamado Gabriel, personaje que le va como anillo al dedo. Un tipo sencillo, humilde y un poco tontorrón y despistado que posee un método de trabajo muy particular… alejado en las formas a todo lo que tenga que ver con atiborrar de pastillas a sus pacientes...

“Eres el primer y último espécimen humano que curo… "¡A partir de ahora me voy a dedicar a los pingüino!”

Y finalmente tenemos a Samuel, personaje clave en la historia. Puente de unión entre los personajes de Marina y Gabriel… Interpretado por Manuel Lozano… Sí, sí, el niño que protagonizó la fabulosa e inolvidable película de José Luis Cuerda, Lengua de las mariposas... ya más crecidito pero con la misma mirada sensible y nostálgica en su ojos…

Completan el reparto actores de la talla de Diana Palazón (Gabriela), Phyllida Law (Sarah), Manuel Millán (profesor), Víctor Mosqueira (Manuel)... que aportan su granito de calidad a la película.

“Hola Gabriela”

"Gabriel, tenemos un problema, el stress”

"¿Stress?"

"Si, el stress. Para la depresión, chocolate, antidepresivo natural. Para la sensualidad, comida china que es lo mejor, pollo al limón y cerdo agridulce”

"Mmmm... ¿Pollo agridulce?”

"Que si que si. ¿Para el estreñimiento? Para el estreñimiento lo mejor es el Corte Inglés porque las luces provocan diarrea”

"¿Y el stress? ¿Por qué no haces lasaña?”

"¿Lasaña para el stress?”

"Ponle valeriana...”

"Ay ay, ¡fantástico! Una primera experiencia...”

La película está llena de grandes momentos llenos de originalidad y simpatía, muy entretenidos de visualizar, como son, por ejemplo, las clases de seducción y ligoteo que (Samuel Manuel Lozano) y Paúl (Fernando Fernán Gómez) dan a Gabriel (Daniel Guzmán)…

“Lo primero que se debe poner sobre el terreno de juego son las miradas… las miradas encontradizas… Lo importante es establecer contacto visual”

Clases... en las que se instruye al alumno de las diferentes clases de miradas (la mirada simple, la mirada con pestañeo… y la mirada con sonrisa) que existen en el noble arte del ligoteo y en el del coqueteo...

“Corremos el peligro de que el efecto de la mirada se pierda por completo… El siguiente paso es el encuentro casual… Es la plataforma en la que se basa cualquier relación… El encuentro casual… sexy. Lo importante es la espontaneidad del encuentro”

No os lo perdáis, es muy divertido de ver… Os gustará.

“No importa el principio de la cita, lo importante es que todo acabe con un beso”

¿Criticable de la película?... Pues que en la recta final de la película, la historia pierde mucha fuerza e interés… y se vuelve un poco pedante. Vamos, que la trama se hace un poco difícil y aburrida de seguir para el espectador… Libros, teatros… historias literarias… hacen un poco difícil su seguimiento final y consiguen que el espectador pierda un poco el hilo de la historia y evada su mente a otros pensamientos ajenos a la película.

“Creo que estamos entrando en la crisis del segundo año… Tú siempre te enterabas cuando estrenaba zapatos”

“Eso es porque siempre voy mirando el suelo”

Mía Sarah es como una montaña rusa, va de arriba a abajo... de más a menos… Comienza de una forma extraña, original a la par de divertida y dinámica… hasta lograr alcanzar un punto delicioso de entretenimiento y de interés máximo… Pero en su última media hora comienza a descender en emoción e interés de una forma vertiginosa... para acabar convirtiéndose en una comedia bastante normalita... y al final, quizás, algo aburrida para el espectador…

En este sentido, la crítica no fue muy benevolente con ella y la tachó de algo blandengue… y confusa…

Diario El País “La película resulta más efectiva cuanto más estrambótica, y se beneficia de la portentosa presencia de Fernando Fernán Gómez y la británica Phyllida Law, pero cojea en casi todas las secuencias que apelan al slapstick"

Diario ABC "Una película sencilla, correcta pero blanda, y muy confusa en la narración”

Blogdecine.com “Todo lo que podría haberse mejorado del guión gracias a la interpretación de los actores, a la realización – puesta en escena, encuadres, etc… o al montaje, en lugar de enriquecerlo, lo que se ha hecho es sacarle aún menos partido del que se podría haber obtenido. Es decir, una obra que aspira a mucho y se queda en nada”

No se si os he convencido o no para verla… aunque insisto que aunque sólo sea por poder disfrutar de lo que fue una de últimas interpretaciones que nos dejó el gran Fernando Fernán Gómez… merece la pena verla. Os aseguro que éste ya es un argumento de suficiente peso como para decidirse por verla… Pero si además la película nos regala consejos sobre el amor como es el siguiente…

“Si de verdad quieres conquistar a una mujer para siempre debes luchar por sus ilusiones, no por las tuyas”

… pues… ¿Qué más queréis?... No obstante, si aún no lo véis claro... es posible que los propios protagonistas de la historia os convenzan en tan sólo 1 minuto de por qué tenéis que verla… ¿Queréis comprobarlo? Pues pinchad aquí

¿Os han convencido?... espero que sí porque me estoy dando cuenta de que en el presente artículo… no os he contado NADA sobre de lo que va Mía Sarah... ni de su trama, ni de su historia… Eso sí, me gustaría añadir, a modo de recomendación, que la película puede llegar a ser para muchos sinónimo de ñoña o empalagosa… Pero a la vez (con toda la seguridad) para otros muchos Mía Sarah va a suponer encontrarse de cara con una historia romántica llena de sensibilidad y ternura…

Pero bueno, ya sabéis, en el cine pasa como en la vida real… que para gustos, los colores. Vamos, que sobre gustos no hay nada escrito…

“Cuando el pez conoce el cebo y no pica... es mejor dejar que el agua corra”

LAS 13 ROSAS (de Emilio Martínez-Lázaro)

“Muero como debe de morir una inocente. Adiós, madre querida, adiós para siempre. Tu hija ya jamás podrá besar ni abrazar"

Las 13 rosas es una película cargada de emotividad y sensibilidad, de recuerdos nostálgicos y de muy buenas intenciones con el fin de evitar que esta historia basada en hechos reales… caiga en el olvido de las gentes del pueblo. Las 13 rosas reviva uno de los términos de más auge en los últimos tiempos… la famosa "memoria histórica".

"Que mi nombre no se borre de la Historia"

Las 13 rosas es una película bonita, realizada con cariño y sensibilidad desde el respeto más profundo con la gente que vivieron los acontecimientos de la época que en ella se describen… y esta sensación se palpa en las interpretaciones de los propios actores, realizadas con gran dosis de emotividad y empatía hacia los personajes que ellos encarnaban.

Pero Las 13 rosas, además de ser una película disfrutada por los propios actores (ya que suponía para ellos todo un reto profesional y una oportunidad muy interesante de poder encarnar a unos personajes reales llenos de registros y estados de ánimo muy desiguales) es también un film de disfrute visual para los propios espectadores… Y es que se pueden contar con los dedos de la mano las películas que cuenten en la actualidad con un elenco de actores tan extenso y tan repleto de juventud y talento… y Las 13 rosas sí puede presumir de este lujazo.

"¿Qué sabes del frente?"

Para los que amamos el cine es una gozada encontrarse con una película que cuente con un reparto de tanta calidad, constituído por la mayoría de los mejores (y más cotizados) jóvenes intérpretes del panorama interpretativo nacional más actual.

"¿Qué frente?... ¡ya no hay frente!, ni cuadros ni nada… han salido todos corriendo como gallinas… no ha quedado ni Dios!”

La película, dirigida por Emilio Martínez-Lázaro e inspirada en el libro "Trece rosas rojas" de Carlos Fonseca, tiene la gran virtud de irnos presentando de manera individualizada a casi todos los personajes femeninos de la película… A todas las protagonistas de la historia, a las jóvenes que tan sólo defendían sus ideas.

De esta manera, a lo largo de los primeros minutos de la película los espectadores vamos conociendo las diferentes personalidades de todas estas muchachas protagonistas de la historia, pinceladas de sus vidas... Sus amistades, sus amores… sus alegrías, tristezas, inquietudes… y así poco a poco las vamos conociendo mejor y simpatizando con ellas... aunque, eso sí, de una manera superficial y poco profunda ya que Emilio Martínez-Lázaro nos las presenta a grandes rasgos, sin entrar en profundidad con sus personalidades. Acertada decisión, se trata de situar al espectador en los acontecimientos de la época, no de que se encariñe con cada una de ellas.

“Tres hombres para detenerme… debo ser muy peligrosa”

Y así, de esta forma, los espectadores vamos conociendo a la encantadora e ingenua Julia Conesa (Verónica Sánchez), a la valiente y risueña Virtudes González (Marta Etura) o a la intrépida y carismática Carmen (Nadia de Santiago)... Pero también nos presentan a Blanca Brisac (Pilar López de Ayala), una madre muy joven pero con enorme pasión y amor hacia su hijo o a la dulce y frágil Adelina García (Gabriella Pession)…

Pero no, no penséis que en Las 13 rosas sólo aparecen personajes femeninos… Es cierto que ellas son las grandes protagonistas de la historia, pero en muchas de sus escenas aparecen acompañadas por jóvenes e igualmente talentosos actores de la talla de Félix Gómez (Perico), Fran Perea (Teo), Enrico Lo Verso (Cánepa) o Asier Etxeandía (Enrique), entre otros.

Y cierran este gran reparto actores secundarios de la talla de Goya Toledo (Carmen Castro), Bárbara Lennie (Dionisia Manzanero), Secun de la Rosa (Satur), Luisa Martín (Dolores)… inclusa una sorprendente Leticia Sabater con una interpretación muy seria... y comedida.

Con tal cantidad de personajes (y algunos de ellos muy interesantes) daría para hacer varias películas con historias muy interesantes que contar detrás de cada uno de ellos… Pero Emilio Martínez-Lázaro no quiere centrarse en ninguno de estos personajes… sino que quiere contarnos los hechos que precedieron a los acontecimientos que dieron lugar... a las 13 rosas.

La realización de la película es de elevada categoría y calidad. Cuenta con un buen guión, una imagen y fotografía muy cuidada, una excelente puesta en escena, unos decorados y vestuarios muy fieles a la época... y goza de unas muy buenas interpretaciones en su conjunto, realizadas desde el respeto y la empatía más profunda con las personas que vivieron los acontecimientos descritos en la misma.

¿Qué es lo mejor y más destacable de toda la película? Sin duda alguna... la magnífica, enamoradiza y envolvente banda sonora compuesta por el genial Roque Baños. Magistral, preciosa... de las mejores bandas sonoras que he escuchado en los últimos tiempos. Música que ganó justamente el Goya a la mejor banda sonora en la edición de los Goya del año 2008. Si queréis deleitaros con un pequeño fragmento de ella, os invito a disfrutarlo aquí.

"Muero por una causa que creo justa. Decidle a mi madre que soy inocente"

La película en muy dura y nostálgica. Al ser una película basada en hechos reales, cuenta con escenas muy realistas como son las detenciones, torturas… con gran dosis de sufrimientos, penurias y miedos… Cuenta igualmente con lugares y escenarios muy desoladores... como es el ambiente frío y poco humano del que estaba impregnado la cárcel de mujeres… Sin apenas espacios vital para convivier tantas mujeres juntas… Sin palabras… Una vez más estamos ante un episodio de la historia donde se pone a prueba el lado más oscuro de la raza humana… La maldad sin límites.

La ambientación de Las 13 rosas nos sitúa en el mes de abril de 1939… mes en el que las tropas de Franco entraron en Madrid y ello significaba la victoria del bando falangista y el término de la sangrienta Guerra Civil Española. Son de cambios políticos... tiempos difíciles para la historia de España.

Y aunque La guerra Civil terminaba… sin embargo a la vez comenzaban tiempos complicados para el bando perdedor, el bando de los republicanos… En relación con esto, me gustó escuchar recientemente a Marta Etura en una entrevista de la radio que la hicieron en la Cadena Ser donde la preguntaban sobre el supuesto “tufillo izquierdista” de la película y ella contestó con bastante rotundidad "que eso siempre va a ocurrir en cualquier película que trate sobre una guerra… que nunca va a quedar a gusto de los dos bandos que participaron en ella". No obstante, Marta añadió que el día del estreno estuvo la única superviviente de la época, Carmen (personaje interpretado por Nadia de Santiago), y que se emocionó y las dio a todas ellas la enhorabuena porque la película refleja con bastante fidelidad lo que realmente sucedió.

En este sentido, al final de la película aparece la siguiente anotación “El 5 de agosto de 1939, en las tapias del Cementerio del Este de Madrid, fueron fusilados 43 hombres y 13 mujeres, casi todas ellas menores de edad, a las que se recuerda como Las 13 rosas… Los documentos y cartas citados en la película están históricamente contrastados”

Marta acabó puntualizando “que no es una película sobre la Guerra Civil, sino un episodio, una historia concreta dentro de la Guerra Civil”

¿Qué es lo peor de Las 13 rosas?... Que es una película que busca continuamente encoger los corazones de los espectadores y conseguir extraer sus lágrimas con demasiada longevidad y repetitividad… Sobre todo en su última parte, que será anlaizada más adelante. Me gusta más el cine que sugiere y no tanto el que enseña o muestra el dolor y el sufrimiento con tanta evidencia… y ensañamiento hacia el espectador.

Las 13 rosas, pese a ser en línea generales una buena película… sin embargo peca de "jugar" demasiado con los sentimientos más nostálgicos y tristes del espectador… Y es que sobre todo la última media hora es pura agonía y sufrimiento para los ojos del espectador... y esto sólo sirve para crear al espectador una falsa sensación de ser una película excesivamente larga y sensiblona.

En esta línea crítica... hubo algunas opiniones que atacabam esta sensibilidad facilona, como son las dos siguientes:

Diario El País "Tan cierto como endeble… Tal como me cuenta la historia el director, esos sufrimientos me son ajenos, no encuentro solidez ni en lo que dicen ni en lo que hacen los personajes, la abusiva música pretende inútilmente subrayar las emociones"

Diario ABC "Emilio Martínez-Lázaro hace un ejercicio evidente de contención, incluso se muestra magnánimo con los 'malos', pero no atina, patina, justo en la parte menos ideológica…”

Igualmente, también es criticable de ella que busca intencionadamente una estética demasiada bella y artística… casi artificial y ello provoca un cierto abandono a la realidad de la historia contada. Es decir, la película cuenta con ciertas escenas que dan la sensación de que fueron rodadas intencionadamente así, muy "cuidadas" para lograr un toque más nostálgico y hermoso a la película... sin embargo éstas no aportan nada a los hechos narrados.

Por ejemplo, tenemos una escena de baile de claqué entre Marta Etura y Nadia de Santiago… Sí, de acuerdo… es una escena preciosa y muy bonita cinematográficamente hablando… pero que aporta poco o nada a la historia que nos están contando.

Como de tan poco creíbles es igualmente la alegría desmesurada que mantienen una vez todas las amigas juntas dentro de la cárcel… No olvidemos que todas ellas fueron arrestadas y encarceladas (sólo por sus ideas y forma de pensar) de una forma poco humana y legal... Por eso esta alegría tan efusiva que muestran durante ciertos momentos durante su encarcelamiento resulta extraña y poco creíble… Vamos, que a veces parecía más que estaban en un campamento femenino de verano que en una cárcel…

Si, vale, de acuerdo, puedo entender la alegría de volverse a ver todas juntas y que así se sintieran más seguras y protegidas... pero… ¿esto es motivo suficiente para tanta alegría?... A mí al menos me resultó desconcertante y poco creíble muchas de estas escenas que tienen lugar dentro de esta cárcel de mujeres… Se me hizo “chocante” observar tanta alegría y felicidad… en circunstancias de tanta miseria , sumisión y represión.

Cárcel de Ventas, hotel maravilloso

donde se come y se vive a todo confort

donde no hay, ni cama ni reposo

y en los infiernos se está mucho mejor.

Hay colas hasta en los retretes

rico cemento dan por pan

lentejas, único alimento

un plato al día te darán

lujoso baldosín!

tenemos por colchón!

y al despertar tenemos desecho… un riñón!

(aquí podéis ver un video curioso... ensayando esta canción)

Pero a la vez, es justo reconocer a Las 13 rosas que está repleta de escenas llenas de belleza y sensibilidad… esto es innegable.

“Mirad!... el Retiro!…” avisaba una de las rosas a las otras doce en la camioneta que las trasportaba…

… En esta escena, por ejemplo, en la que las 13 rosas van dentro de una vieja camioneta... camino de ser juzgadas por un tribunal de guerra… es una preciosa escena, cargada de mucha emotividad y sensibilidad... que hace encoger el estómago hasta de la persona más dura y fría.

E igual de justo es también reconocerla que cuenta con grandes momentos para recordar… como es el que tiene lugar casi al final de la película. Una emotiva conversación a modo de despedida que se produce entre el personaje de Marta Etura (Virtudes) y el de Nadia de Santiago (Carmen)… Es la despedida entre dos grandes amigas... Escena muy dura pero de gran poderío e intensidad interpretativa... Abrazadas, pasan su última noche juntas sin separarse en ningún momento...

“Por favor, Carmen, no te olvidas nunca de lo importante”

“De qué”

“De que tenemos razón, de que estamos luchando por algo que es justo”

“Yo no se lo que es justo y lo que no”

“¡Sí que lo sabes!.. ¡ claro que lo sabes!”

Gran interpretación de Marta Etura, con la cara desencajada... su rostro refleja el miedo a lo desconocido... el miedo del viaje sin retorino que significa la muerte. Y el rostro de Nadia... roto por el dolor y con la mirada perdida por la incomprensión y situación del momento. Escena llena de tensión y angustia... de mucha intensidad.

“Igual que sabes que cuando todo esto haya pasado alguien tendrá que recordarlo”

“Cómo podría olvidarlo, sería cómo olvidarte a ti”

“De eso se trata Carmen… de que no me olvides… No tenemos que tener miedo… prométeme que no vas a tener miedo…”

“Te lo prometo”

“Tenemos que ser muy valientes… muy valientes”

Los momentos finales de la película están llenos de tensión, de amargura, de miedo… Momentos finales que se hacen interminables… porque… ¿era necesario alargar tanto el sufrimiento para el espectador?… ¿era necesario regocijarse tanto en la agonía final de las jóvenes muchachas?... En mi opinión... no, sin lugar a dudas. Para mi gusto hubiera sido mucho más correcto haber firmado un final mucho más poético y sugerente…

(Suenan las campanas de la iglesia) “Las 12:00 … Ya podemos acostarnos tranquilas… hoy no vienen a por nosotras"

"¿De verdad?"

"Duerme tranquila"

Por último, os recomiendo que echéis un vistazo a la web oficial de la película. De las más trabajadas y cuidadas que he visto… diseñada con mucho gusto y con todo tipo de detalles. La vida de cada una de las rosas, manuscritos, documentos, cartas originales … como, entre otras, la que dejó Blanca Brisac (el personaje interpretado de manera excelente por Pilar López de Ayala) a su hijo Enrique:

"Querido… muy querido hijo de mi alma… en estos últimos momentos tu madre piensa en ti… voy a morir con la cabeza alta…

…Sólo te pido que seas muy bueno, que quieras a todos, que nunca guardes rencor a los que dieron muerte a tus padres, eso nunca. Las personas buenas no guardan rencor y tu tienes que ser un hombre bueno, trabajador…Que no se te borre nunca el recuerdo de tus padres… Hijo, hijo… hasta la eternidad… recibe después de una infinidad de besos… el beso eterno de tu madre”

La crítica reconoció el trabajo bien hecho de Las 13 rosas y el gran esfuerzo por parte de su director de plasmar con tanta fidelidad y detallismo los hechos descritos en la película:

Diario El Mundo "Una fiel reconstrucción de época ...mantiene el interés casi como si se tratara de una narración de intriga..."

Film Affinity “Me ha maravillado la interpretación de Marta Etura y de Nadia de Santiago. La ambientación de proximidad a la muerte en la que las luces del alba maquillan la tez blanquecina del miedo. La sobrecogedora carta de Blanca (Pilar López) a su hijo suplicando el eterno recuerdo o el amor materno como única razón lógica por la que entregar la vida (impagable Luisa Martín ofreciéndose a cambio de su hija)…”

Pues nada, nunca está de más ver una película que nos enseña un episodio histórico de nuestra historia más reciente... Y aunque sólo sea por disfrutar de un plantel de actores tan joven, diverso y talentoso… os recomiendo que no os la perdáis…

“No dejo de pensar en mi madre… pobrecita, cómo estará sufriendo”

... ¿Que se podía haber evitado ciertas escenas que provocan la lágrima fácil del espectador?... pues sí.

... ¿Qué con tan buena materia prima interpretativa se podría haber realizado una mejor película?... pues también puede que sí... pero ya sabéis… también se podía haber hecho una película mucho peor…

Somos la joven guardia

que va forjando el porvenir.

Nos templó la miseria,

sabremos vencer o morir.

Noble es la causa de librar

al hombre de su esclavitud.

Quizá el camino hay que regar

con sangre de la juventud.

Que esté en guardia,

que esté en guardiael burgués insaciable y cruel.

Joven guardia,

joven guardia,

no le des paz ni cuartel.

LUZ DE DOMINGO (de José Luis Garci)

“Era el año 1911-1912, la historia es lejana y recuerdo que era domingo y que había amanecido despejado, maravillosamente despejado… raro en Cenciella …”

Tenía tangas ganas de ver esta película que… quizás había puesto en ella más expectativas de las que se merecía….

Luz de Domingo tiene el sello distintivo del cine de José Luis Garci, de eso no cabe duda, posee sus silencios inconfundibles y sus escenas pausadas en bella armonía... Se disfruta de cada fotograma, de cada paisaje asturiano, de sus deliciosas conversaciones… Todo esto lo tiene Luz de Domingo… pero con menos ternura y magia que poseían sus últimas películas.

“La vida de Cenciella era más bien monótona y de poco alboroto. A diario cada cual a su menester, y a última hora los hombres a echar un trago y la partida donde la Parrula y las mujeres algo de palique en casa de ésta o de aquella antes de la cena”

¿Motivos?... no lo se. Es posible que parte de culpa la tenga el elenco de actores seleccionados para dar vida a esta historia asturiana… Y más en concreto me estoy refiriendo a los dos actores elegidos para encarnar a los dos personajes con más peso en esta historia, es decir, a Paula Echevarría (Estrella) y a Álex González (Urbano)

“A Urbano Cajigal… nos le trajo la diligencia de Luarca, era alto y tenía el caballo oscuro y lustroso. Vestía traje azul marino gastado, chaleco, botas de charo y corbata de raso carmesí”

Paula Echevarría y Álex González son dos actores jóvenes promesas del cine español, con muy buenas maneras interpretativas y con todo un futuro prometedor por delante de ellos. Ambos aún tiene tiempo suficiente para que puedan forjarse como grandes actores… y para seguir aprendiendo y mejorando.

Es posible que tanto a Paula como a Álex les haya venido un poco "grandes" sus papeles protagonistas en Luz de Domingo. Les falte todavía algo más de veteranía y experiencia ante las cámaras para que hubieran podido dar toda la credibilidad y fuerza dramática que requerían sus exigentes papeles. Arriesgada elección de Garci la de contar con estos jóvenes actores para encarnar con plenas garantías interpretativas de éxito a dos de sus protagonistas con más peso en la historia que nos quiere contar a través de su película.

“Tú luz de domingo se va y todas las cosas se adivinan que se van para no volver más… La semana que viene el mar será otro, y el cielo y la pradera… "

“Y nosotros seremos también otros”

“Sí, seremos otros… más felices”

Y es que al final las películas de Garci las llenan sus personajes, sus actores, sus interpretaciones, sus diálogos… Y en este caso, en mi opinión, flojea el lado interpretativo de alguno de los actores salvo algunas excepciones como son las excelentes interpretaciones, por ejemplo, de Alfredo Landa y de Carlos Larrañaga.

También es posible que no estamos ante una historia tan amable y agradable de visionar como a las que nos tenía acostumbrados últimamente Garci con su cine como fueron sus historias tan apacibles como la que nos contó en You´re the one, o en Historia de un beso o en la mismísima Ninette, entre otras. Y es que en Luz de Domingo estamos ante una historia dura, hosca y vengativa.

“Con la luz de domingo… aunque esté nublado, no podemos ver el sol pero sabemos que él nos está mirando”

La historia que nos cuenta Garci en esta ocasión no es que sea menos interesante que las historias que nos relató en anteriores películas... pero sí que es cierto que Luz de Domingo deja al espectador con peores sensaciones… Con las películas de Garci anteriormente citadas y con alguna más como son, por ejemplo, El abuelo o Tiovivo C. 1950, se pueden disfrutar continuamente viéndolas una y otra vez…

Sin embargo, con Luz de Domingo... no ocurre lo mismo. En mi caso, supongo que en unos años la volveré a ver… pero la sensación que deja tras verla es áspera y amarga… Estamos ante una historia mucho más dura de las que nos tenía acostumbrados el Garci más reciente.

“Alcalde con gota… penitencia de rico…”

Alfredo Landa tiene un personaje lleno de silencios, de miradas… Todo, absolutamente todo lo expresa con su mirada. Esta vez no necesita utilizar sus característicos registros de fuerza y carácter para encarnar humildemente a Joaco, un personaje lleno de bondad pero a la vez repleto de dolor y rencor que sobrevive en su propia angustia y ansia de venganza que le invade en todo su interior.

Juaco es un personaje callado, muy observador… y parco en palabras. Sereno, tranquilo… con una mirada triste que lo dice todo… Permanentemente triste, nostálgico… a la espera de la venganza más justa.

“Parrula, ¿usted diría que Nueva York tiene Luz de Domingo?”

Alfredo Landa ya nos había encandilado en diversas películas de Garci… Desde la excelente (y casi obra maestra) El crack y su más reciente Historia de un beso. Por su papel de Juaco Alfredo fue nominado al Goya como mejor actor en la edición de los Goya del 2008 (además de recibir el Goya de Honor) y ésta interpretación de Juaco parece ser que ha sido su último papel cinematográfico... su adiós definitivo en el mundo del cine. Toda una pérdida de talento… Nos queda el consuelo que siempre nos quedará como legado toda sus extensa filmografía para disfrutar de su gran talento interpretativo.

“Dinero… no hay nada mejor que el dinero… Ni la familia, ni la religión… ni la patria ni el placer… ni el juego… nada. La aristocracia de hoy en día se mide por el dinero no por la sangre y el valor de las personas no por su lealtad o por su bondad sino por el dinero que tienen y por su atrevimiento”

Complementa el elenco de actores unos secundarios de gran calidad como es la interpretación soberbia que nos ofrece Carlos Larrañaga (Atila) o de Kiti Manver (doña Paredes), Manuel Galiana (Alpaca), Toni Acosta (Cova), Enrique Villén (Longinos), Francisco Algora (Chanfaina)... como podéis comprobar sólo el cine de José Luis Garci puede concentrar un elenco de actores tan amplio y dotado de tanta experiencia y sabiduría en el arte de la interpretación.

“Para mi no es igual la luz del domingo que la del miércoles o el jueves… Entre semana el sol no mira la Tierra… Sin embargo el domingo, el domingo mira únicamente a la tierra, la baña de luz, todo brilla de otra manera…”

Luz de Domingo goza de escenas llenas de fuerza y dramatismo casi teatral. La escena del pleno del Ayuntamiento de Cenciella, intercambio de insultos con la oposición… Una gran escena, llena de humor agridulce e ironía.

Por lo demás… Luz de Domingo tiene todo los ingredientes que hacen inconfundible y marca personal de su director: paisajes preciosos de Asturias, acompañados como siempre por la música magistral de Pablo Cervantes… Música de Pablo Cervantes que por cierto…. ¿alguien podría contarme por qué no se editan en cd las bandas sonoras de las últimas películas de Garci compuestas por Pablo Cervantes?... Sus composiciones son verdaderas joyas, todo un regalo para los oídos… sin embargo sólo se pueden disfrutar de ellas visionando las películas. Curioso e incomprensible.

Igualmente posee preciosos rincones de Asturias que Garci recoge con su cámara y nos regala a los ojos de los espectadores… Localizaciones de montañas, ríos, playas de Asturias… Fotografías para enmarcar como postales. En la web de Zinema.com se dice “Se rodó en Asturias del 25 de septiembre al 17 de noviembre de 2006, en lugares como Noreña, el palacio de Meres, donde también se rodaron planos de El abuelo y You,re the one're (Una historia de entonces), Oviedo (plaza del Fontán), Gijón (bosque del Jardín Botánico) o Avilés (calle de Galiana y el colegio San Nicolás de Bari)” y respecto al guión añade “El guión es del propio director en colaboración con Horacio Valcárcel y se inspira en un relato de Ramón Pérez de Ayala”

En el fondo Luz de Domingo es una película que versa sobre los temas más antiguos de la humanidad y que tantas veces han sido tratados en la historia del cine (como, por ejemplo, en Star Wars), es decir, los temas de la bondad contra la maldad… los buenos actos contra los maliciosos… la buena gente y sana de mente sin maldad alguna contra la gente invadida por la envidia, la avaricia y la maldad… Todo esto se refleja en la enconada lucha que mantienen los dos bandos políticos existentes en el pueblecito asturiano de Cenciella: los chorizos y los becerriles (los mafiosos)

Es una película que además nos habla de temas muy tradicionales como son, entre otros, el amor puro y casto:

“¿Cómo es estar enamorada de verdad?”

“Es difícil de explicar…”

… O sobre la bondad…

“Háblame de Urbano… dime todo, como siempre”

”No conoce el rencor… no he visto en sus ojos jamás, jamás, jamás ni un segundo de oscuridad… carece de malos pensamientos… yo no se de qué está hecho pero es así… transparente como el cristal”

… O sobre las tradiciones maritales más arraigadas…

“La luna de miel la hicieron tal y como la tenían planeada. Pasaron diez días en Pilares … … y pasearon por parques y miraron tiendas y escaparates…”

… O sobre valores como el honor y la dignidad:

“Uno debe hacer las cosas cuando tiene que hacerlas… ni antes ni después. Ahora, ha llegado el momento”

“Lo que te pido es que sigas siendo como eres… y que me dejes ser a mí como soy”

Las críticas que obtuvo la película fueron más benevolentes que la respuesta del público en las salas de cine…

Fotogramas "El Crack Garci vive... No es este un lavado de cara radical, sino un volver a empezar desde la experiencia, las virtudes y también los vicios”

Cinemanía "Garci sublima el costumbrismo… Su filme más redondo desde 'El abuelo'…”

Diario El País "Narrado con cierta garra, apoyado en las magníficas interpretaciones de Alfredo Landa y Carlos Larrañaga, pero buena parte del texto también se sustenta en conversaciones más típicas de una radionovela que del cine contemporáneo"

Diario El Mundo "La historia está bien contada, el diseño de producción es impecable, la fotografía excelente, y las interpretaciones irreprochables pero, por encima de todo, lo que prima es esa molesta y desazonadora sensación de déjà vu”

Bonita película, recomendable de ver, aunque a ratos pueda pecar de parecer lenta por su falta de ritmo y sus abundantes silencios, quizás excesivos…

En definitiva Luz de Domingo no alcanza la maestría de otras películas de Garci… pero es una bonita película que sí merece la pena ver… Pero la decisión última de verla o no, como siempre, está en vuestro poder.

“Estrella y Urbano… cuando descubrieron la ciudad… sintieron como si por din despertaran de una horrible pesadilla porque aquel fulgor de concordia que recordaba el resplandor que irradian las buenas personas… y que esa luz de domingo les alumbraría ya el resto de sus días”

Que la disfrutéis… o no.

CAÓTICA ANA (de Julio Medem)

“El Halcón es un cazador único en su especie. Cuando pasa volando delante de tus ojos... No lo ve pero lo oye… Está diseñado como un proyectil… Pero lo más importante del halcón son sus ojos… Sin sus potentísima visión… no sería cazador”

De esta manera tan peculiar, desconcertante y surrealista comienza esta historia 100% Medem. Bienvenidos a un mundo surrealista, diferente a la par de apasionante… Viajaremos por distintas épocas... nos moveremos por distintas culturas y mundos, navegaremos por océanos azules y profundos y caminaremos sedientos por desiertos áridos y desoladores.

Eso sí, tengo la obligación de avisaros que si os decidís zambulliros en este apasionante Universo Medem… tenéis que saber que éste... es un mundo no apto para todos los gustos y públicos.

… Y Ana se va a Madrid… deja su isla… y a su padre…

“Querido Bestia Parda… aquí en Madrid parezco una indígena fuera de la reserva. Pues sí… doy un poco el cante… Me estoy riendo, ya sabes cómo. No tengo miedo… de nada… Me voy soltando… y eso me gusta. Pero también siento todavía tu mano, cogiéndome fuerte y eso también me gusta. Gracias, monstruo”
Es una paranoia de película… pero con lógica Medem… Otras realidades, otros mundos… y en esta ocasión nos habla sobre el apasionante tema de vidas pasadas ya vividas en otras épocas... Es el mundo de las regresiones, de la reencarnación, de la búsqueda de anteriores amores a través de la hipnosis…

“¿Quieres que duremos siempre… tú y yo?”

“Sí”

“Qué bien. Cuánto tiempo nos queda. Por fin te he encontrado”

Y comienza el amor… el amor eterno… el amor sin barreras temporales…

“Querido monstruo de las cavernas: un hombre me ha cogido… por fin. Ahora siento que le había querido siempre o que le había perdido…”

“Mi querida hija… esto es lo más grande y hermoso que me has escrito… Enhorabuena por descubrir que el amor es un tesoro”

“Caótica Ana es una historia contra la tragedia, conducida por la fuerza del optimismo y la necesidad de ser feliz de su protagonista" … nos cuenta su director, Julio Medem, en la Web de la película.

“Mi querida Ana… Forma parte del riesgo de salir de casa… Piensa que estas pequeñas desgracias te ayudarán a saber vivir. De esto se trata… de saber vivir para saber morir”

“Nunca había visto nevar… que no se me olvide contártelo”

¿Habéis visto muchas películas que versen sobre temas como son la hipnosis y las regresiones?… Pues Caótica Ana es así de valiente y ha tratado sobre ellos a sabiendas de que a priori son temas bastante poco populares y que cuentan con poquita o nada de aceptación por parte de la gente.

“Ana, tu caso es único. Te hemos encontrado vidas de hasta más de 1000 años… en algunas apenas nos dices nada pero en otras… son historias fascinantes… y aún sabemos que podemos seguir… Te propongo que lleguemos hasta el final… o sea, hasta el principio”

Caótica Ana ha sido una película incomprendida, no entendida… y en ocasiones, injustamente maltratada… Pero estamos ante una película muy valiente y digna de admiración por su descaro y su osadía… Hasta la fecha muy pocas películas se habían atrevido a tratar y hablar abiertamente sobre estos temas…

“Ana, esta ha sido la mejor sesión de hipnosis por mucho… Tus vidas son cada vez más antiguas!”

“Mis vidas, no, mis muertes”

Sí, ya se que no es una película fácil de ver, no es una historia recomendable de ver para todos los públicos… eso está claro… Y que tiene todas las papeletas para ser juzgada y tachada de ser una película rara, aburrida y soporífera… sí, ya lo sé. Pero es una película que se merece todos los respetos primero porque es de alabar la realización de una película con tanto riesgo y valentía y segundo porque su trama versa sobre temas muy interesantes, originales y novedosos... que es de agradecer saber más sobre estos temas tan desconocidos o tan poco tratados hasta la fecha. Temas… como son la hipnosis, la reencarnación, la regresión a vidas pasadas…

“Pero… ¿por qué me pasa a mí todo esto?”

“Yo no sé si tu has sido todas esas mujeres o simplemente que en ti, por hipnosis, se puede establecer un contacto con ellas o con una parte de sus recuerdos. A veces son sólo imágenes pero lo que está claro es que forman parte de ti”

Cuando hace años leí algún libro que analizaba estos temas (sobre las regresiones a vidas pasadas por hipnosis) mi conclusión fue un poco decepcionante. Porque pensemos, si es cierto que vivimos eternamente una vida tras otra y que a la vez que morimos... nacemos en ese mismo momento a la vez en otro punto del Planeta… pues resulta decepcionante este hecho ya que se supone que volvemos a nacer pero sin acordarnos absolutamente de nada de la vida que acabamos de abandonar en otro punto del Planeta… Por lo que a efectos prácticos… somos otra persona nueva… con nueva familia, nuevos amigos, nuevos amores… pero sin ningún recuerdo ni vínculo afectivo con las vidas ya vividas… Es decir, en recuerdos y sentimientos… morimos eternamente ya que éstos sólo pueden ser recuperados por sesiones de regresión a través de la hipnosis… o eso al menos parece que ocurre si creemos en estas técnicas de las que trata la película.

“Esta es la segunda montaña más alta del mundo, el K2, y esta es Ana, una auténtica chuminista…hace 70 años subiste esta montaña que tiene más de 8.000 metros. Eras la amante de un hombre casado que te prometía todo el rato que dejaría a su mujer por ti y cuando dejaste de creerle te largaste a la montaña con cuatro feministas”

… Si morimos y nacemos continuamente… y en otras épocas hemos sido soldados, esclavos, héroes, asesinos… pero... ¿y qué?, ¿de qué nos vale si cuando morimos… nacemos en otra parte del planeta en la que no recordamos nada de la vida anterior?… Es como no haberla vivido… Eres otra persona diferente sin ningún vínculo afectivo… y en mi opinión, lo que realmente nos convierte en personas son los sentimientos y lo vínculos afectivos que nos une a las personas que nos rodean o que vamos conociendo a lo largo de nuestras vidas. Sólo veo un lado positivo de todo esto... y es si se comprobara que todas nuestras vidas ya vividas anteriormente influyen y conforman nuestra personalidad actual… Sólo en este caso, cada vida de cada época vivida tendría su sentido. Cada vida ya vivida sería una pequeña aportación, un pequeño granito de arena para... ¿la realización plena y absoluta como personas?... Un día escuché... que sólo dejamos de nacer y de morir... cuando conseguimos la realización plena... cuando ya no hace falta aprender más... ¿qué opinaís al respecto?... Interesante tema.

“Vamos sumando. Morir llena, no vacía”

Bueno, que el tema que nos presenta Caótica Ana da para mucho debate y discusión y para escribir mucho… y Julio Medem ha sido muy valiente al dirigi una película que habla de todos estos temas tan intensos... y que cuentan con tan poca acogida social.

“Sólo seré tuya por hipnosis”

Caótica Ana es una película muy Medem como así reza el propio Julio en una entrevista promocional de la película “Una película muy Medem. Pensaba que no lo era tanto porque uno quiere alejarse de lo que ha hecho ya y acometer retos distintos. Pero después de terminar el montaje, la fase que más me gusta, me he dado cuenta que es una historia muy mía, pero también tiene cosas nuevas. 'Caótica Ana' narra el viaje de Ana, una cuenta atrás -10, 9, 8, 7, hasta el 0- a través del cual esta joven comprueba que su existencia parece la continuación de otras vidas de mujeres jóvenes que murieron de forma trágica, todas a los 22 años, y que habitan en el abismo de su memoria inconsciente. También ha sido un viaje para mí, el viaje más intenso que he hecho. Está en dos dimensiones, en el espacio y en el tiempo. El primero transcurre en el presente de la protagonista, es la parte más naif, más inocente porque la chica ha vivido poco y ha estado muy protegida. El segundo, el de tiempo, va al pasado y ahí estalla el caos y es donde conectamos por esa memoria ancestral que todos tenemos. Dos viajes y dos atmósferas distintas que hay que medir muy bien"

“Soy una sin sentido”

Y es una película que es nada fácil de escribir… de diseñar… y de saberla plasmar posteriormente en imágenes y diálogos… El propio Medem nos cuenta la dificultad que tuvo que hasta tuvo que escribir hasta nueve versiones diferentes del guión “Ya en el guión había problemas. He tenido un equipo muy integrado al que decía lo que quería, y ellos decían que sí, que muy bien, pero cómo se hacía eso. En el rodaje dejé espacio a la intuición y en el montaje volví a reescribir la historia de la que había hecho nueve versiones del guión”

“Nunca sueño. Debo de tener alguna puerta cerrada”

¿Qué se echa de menos en el film? ... la música de Alberto Iglesias… Caótica Ana es la primera película de Julio Medem sin la magia de la música de Alberto Iglesias… No quiero decir que la música de la compositora inglesa Jocelyn Pook, autora entre otras de la música de Eyes White Shut y El mercader de Venecia, no sea igualmente magnífica… pero a Alberto se le echa de menos … Su música es inimitable… Actualmente una película de Medem o de Almodóvar siN sus composiciones… no es lo mismo… Es el sello de sus películas… “Alberto y yo somos como hermanos, volveremos a trabajar juntos. Cuando escuché la música de Eyes White Shut quería que mi trabajo tuviera esa lírica, esa energía y ese vigor. En mi cine necesito especialmente la música y, gracias a Jocelyn, he entendido mejor mi película” justifica con estas palabras Julio Medem la ausencia de Alberto Iglesias.

“Cada día se está haciendo más pequeñita, va a desaparecer y se la va a llevar el viento...”

Por otro lado, las películas de Medem suelen tener a la mujer como una verdadera protagonistas de sus historias… y Caótica Ana no podía ser menos y es toda una "oda a la mujer" como así lo ha definido el propio Julio Medem “Es un universo fascinante. Como hombre, tengo una especie de complejo, de vergüenza, por lo que representamos socialmente, lo que hemos sido, por nuestra ambición y violencia. La cantidad de testosterona que tenemos marca mucho nuestra conducta. De momento, no me tienta centrarme en la psicología masculina”

“¿Y quién soy yo?, si ni siquiera tengo mis propios sueños!… ¿por qué no sueño dormida como todo el mundo?”

“Porque te tienes miedo, Ana”

La actriz Manuela Vellés, nueva musa de Medem… hace una interpretación muy digna porque su personaje de Ana no es nada fácil de interpretar. Un personaje a priori de muchacha gentil, inocente… pero que según va avanzando la película va tomando unos registros más serios y se va complicando la psicología y complejidad del personaje. La dificultad interpretativa del personaje de Ana lo define así de bien el propio Julio Medem “Ana es el papel más difícil de interpretar de todos los que he escrito. Se ha defendido muy bien porque empieza siendo una niña idílica, muy protegida, y en su crecimiento sufre un desgaste muy fuerte. El viaje va de los 18 a 22 años, y Manuela tenía 19 en el rodaje y no había hecho nada. Se presentó al casting una semana después de haberse apuntado a una escuela de interpretación. Quería ser actriz, pero no sabía por donde empezar”

La escena de Ana visionando en una sala de cine la proyección de sus diferentes sesiones de regresiones… es de una gran dificultad interpretativa. Manuela Vellés sabe transmitir a los espectadores a la perfección el sufrimiento extremo de su personaje a través de sus distintas muertes en vidas pasadas… Escalofriante escena, impactante… caótica… Caótica Ana.

“Hay que mandar a la mierda a este mundo de machos que nos tiene a todos podridos por dentro”

“Los hombre son todos unos violadores y las mujeres... un poco putas”

Estas palabras tan expresivas salen de boca del Linda, personaje interpretado con cierta gracia por la polifacética Bebe (actriz y cantante). Bebe está muy correcta en su interpretación de Linda, transmite toda la naturalidad y confianza hacia Ana que requería su personaje. Linda es¡s la mejor amiga de Ana y también su mejor apoyo moral y sentimental…

… Complementan el reparto actores secundarios de gran talla interpretativa como son Charlotte Rampling (Justine), Asier Newman (Anglo), Nicolas Cazalé (Said), LLuis Homar (Ismael)...

Agárrate fuerte a mí, María
Agárrate fuerte a mí
que tengo miedo
y no tengo donde ir

(Estamos ante una película muy triste… y ello se nota, se palpa continuamente como en la escena de baile entre Ana y su padre… ante la presencia de Antonio Vega interpretando esta versión de una canción de Los Secretos…)

Una última anécdota… al final de la película aparecen las siguientes dedicatorias y anotaciones de Julio Medem:

A mi hermana Ana, que se fue

A mi hija Ana, que vino

Los cuadros de Ana fueron pintados por Ana Medem entre 1989 y 2001

Las adaptaciones son de Sofía Medem

Y Medem nos da una explicación a estas dedicatorias “No es la biografía de Ana, que murió en un accidente de coche cuando iba a una exposición con toda su obra en Cariñena. No llegó y toda la familia nos quedamos a la puerta, no vimos la exposición. Pensé que algún día escribiría sobre ella, sus pinturas y, sobre todo, su carácter. Ana era especialmente optimista, con una energía muy bonita”

Sobre las críticas que recibió la película… las hay para todos los gustos aunque predominan más las negativas que las positivas…

El País “Hipnosis fílmica… Extraño viaje, inclasificable, brillante en la forma aunque profundamente ingenuo en el fondo”

ABC "Visualmente poderosa, contiene imágenes, momentos, de fuerte atractivo emocional y que sólo se ven lastrados… porque anega esas imágenes de texto, las sobre escribe, no permitiéndoles expresarse con naturalidad propia”

El Mundo "Empalagosa y finalmente intragable tarta de un pastelero superdotado"

O Bloggo “Caótica Ana contiene todas las infecciones del cine de Medem que he inventariado y alguna más. Personajes inverosímiles, escenarios rebuscados, diálogos horteras y una visión del mundo de ajo y óleo”

A pesar de éstas y otras críticas… yo sin embargo, os recomiendo verla porque Caótica Ana es una historia diferente y no os creará para nada indiferencia… o la odiaréis (y a mí también por la recomendación) o la disfrutaréis y os hará pensar.

“Esa noche te diste cuenta de que cuando se acaba la biología no se acaba todo. Nuestra alma tiene sentido en otra biología. Tú decías que al final no hay nada… pues es al revés: vamos sumando, morir llena, no vacía”

Por cierto... Caótica Ana tiene un final… que a mi me quedó k.o... sin poder de reacción… sin palabras... y sin ganas de hablar durante un buen rato.

Agárrate fuerte a mí, María
Y no llores más por mí
Volveré a por ti algún día y escaparemos de aquí

Agárrate fuerte a mi, María
Agárrate fuerte a mí
que tengo miedo y no tengo donde ir

DIAMANTE DE SANGRE (de Edward Zwick)

Sierra Leona 1999… La guerra civil por el control de las minas de diamantes hace estragos. Miles de personas han perdido la vida y millones son refugiados. Ninguna de ella ha visto en su vida u diamante.

En los primeros minutos… fotografías preciosas, la belleza transformada en imágenes, fotogramas... como postales.

La triste historia de África es que siempre que se encuentra algo de valor… sus habitantes sufren y mueren en la miseria. Esto ha sucedido ya con el marfil, con el caucho, el oro, y el petróleo… y ahora son los diamantes…

Tensión, miedo, horror… Desde el inicio, el espectador está acongojado e impactado en su sofá con angustia y miedo… ¡Qué primeros 20 minutos de intensa emoción y acción!... Impresionantes, dignos de ver… Quizás estemos ante los mejores minutos de todo el film. Si no os engancha este trepidante comienzo... mejor que no la sigáis viendo.

Es una película dura por la historia que se nos cuenta y visualmente también por algunas de sus escenas... pero estamos ante una gran película, de las de disfrutar sin pestañear durante dos horas con la angustia permanentemente metida en el cuerpo.

“E.E.A.”

“¿Qué es E.E.A.?”

“ESTO ES AFRICA”

Entra en escena Jennifer Connelly (Maddy Bowen), ¿se puede estar más guapa?... Su encuentro con Leonardo Di Caprio, de lo más original...

“Déjame adivinar, estás aquí para cambiar las cosas, eh?”

"Y tú... ¿para ganar pasta?"

Sus primeros encuentros estarán llenos de tensión, ironía, falsedad...y atracción.

“Dime, ¿qué eres tú, traficante?”

¿Tú qué crees?”

“No sé, pero no te veo trabajando para Unicef”

“¿Qué tal soldado de la fortuna?”

Qué duda cabe que ambos son el gran atractivo y “gancho” de la película… Estamos ante dos de las estrellas actualmente más cotizadas por el cine americano (y por méritos propios). Ambos están muy correctos, no decepcionan con sus interpretaciones. Individualmente sus personajes tienen fuerza suficiente para sobrevivir por sí solos… y juntos conectan con una química especial y creíble.

“Aquí la gente se mata como forma de vida, siempre ha sido así…”

Leonardo Di Caprio (Danny Archer), se ha ido curtiendo una carrera envidiable con películas intensas como Titanic, La Playa, Atrápame si puedes… o sus últimas con Scorsese (Gangs of New York, El Aviador e Infiltrados) para llegar a convertirse en uno de los mejores actores del panorama actual. Además es de los pocos actores que, al menos por el momento, ha sabido elegir y seleccionar perfectamente sus proyectos cinematográficos y no cualquier propuesta que le ofrecieran por muy “golosa” que fuera económicamente hablando.

“Te diré algo, tú también vendes diamantes de sangre”

“¿En serio?”

“¿Quién crees que compra las piedras que yo saco?...chicas americanas que quieren una boda de hadas y un pedrusco que brille… a si que no vengas aquí a juzgarme”

“Que te quede claro que no todas las americanas quieren una boda de cuentos de hadas igual que no todos los africanos se matan como forma de vida”

Jennifer Connelly (Maddy Bowen), es un claro ejemplo de que la veteranía y la experiencia es un grado. Ya que si comenzó su carrera con flojas interpretaciones como fueron las de Rocketeer o De amor y de sombra... sin embargo con posterioridad nos ha regalado interpretaciones de quitarse el sombrero como la que protagonizó, entre otras, en Réquiem por un sueño, en Una Mente Maravillosa o en Casa de arena y niebla. Si a sus excelentes interpretaciones añadimos que su mirada nostálgica tiene un don especial que ilumina la pantalla, pues eso que ganan los ojos de los espectadores.

Complementa el excepcional reparto de esta película actores de la talla de Djimon Hounsou (Solomon Vandy), Michael Sheen (Simmons), Arnold Vosloo (coronel Coetzee)...

Dureza en las imágenes, realismo extremo... Balas, humo… Granadas,pólvora... Sangre... mucha sangre.

Estamos ante una película de gran dureza visual… de las que o te atreves a mirar o antepones las palmas de las manos frente a los ojos para obviar las injusticias que hay por el mundo… Y la historia que se nos cuenta en este film no es más que un ejemplo más de un lugar en el mundo donde los derechos humanos valen poco o nada... Un lugar donde sólo importa todo aquello que tenga un valor económico. Un lugar donde sólo sobrevive aquél que aporte algún beneficio económico. Todo lo demás (ya sean personas o cosas) que no tenga valor económico… no vale nada. Nada. Estamos ante una película denuncia...

“Aunque parece mentira, ahí hay un millón de personas, por el momento es el segundo mayor campo de refugiados de África. A lo mejor le dedican un minuto en la CNN en algún hueco entre los deportes y el tiempo”

La banda sonora de esta película son las balas, los gritos, el horror humano...

No hay tregua, no hay un respiro… Tensión 100%... Bienvenidos al infierno africano.

“¿Y tú por qué estás en África?”

“Porque me resulta difícil tomar capuccinos y hablar de tipos de interés”

Fabulosa fotografía, acción, intriga, miedos, emoción… y muchos más ingredientes que hace que la película cumpla su objetivo de entretener y emocionar a sus espectadores.

El tercer mundo no es un mundo a parte. El testigo al que vamos a escuchar hoy, hablará en su nombre. Escuchemos la voz de ese mundo, aprendamos de esa vozy no la ignoremos nunca más. Damas y caballeros:... el señor Solomon Vandy.

La última parte de la película es más salvaje, más en medio de la inmensa e infinita selva africana... Con la misma intensidad del principio... y vuelven los grandes paisajes y los planos con fotografía como postales.... Y el final… grandioso....pero predecible... En este sentido encontré una crítica del Diario El País que de una manera un tanto exagerada la denomina Desmemorias de África, y dice lo siguiente sobre ella: "... va de más a menos, de una presentación de escenario y personajes, funcional, eficaz, enérgica… para ir creando una intriga dramática, francamente previsible, fraseada sin especial ingenio"

Y es que... si hay algo que se le puede achacar a este film es que quizás peca un poco de predecible... Vamos, que no sorprende nada su final y quizás esto sea lo que hace que este film no alcance el grado de gran película u obra maestra sino sólo de sólo de “correcta”. Su único “pero” es éste, sorprende poco y en ocasiones es muy predecible con lo que va a ocurrir a continuación... El desenlace final se puede adivinar a falta de una hora para su conclusión...

“¿Crees que las personas son por naturaleza buenas?"

“No, diría que sólo son personas”

De la gran cantidad de críticas que hay por Internet opinando sobre la película, a mí especialmente me han gustado las siguientes:

Chicago Reader "Las películas de acción y aventuras suelen tener una lamentable tendencia hacia el sinsentido, pero esta épica historia de Edward Zwick tiene numerosas virtudes además de suspense y espectáculo"

The New York Times "Hay una inexplicable desconexión entre la seriedad de la historia y el modo frívolo en el que está contada”

Diario ABC "Como película de aventuras tiene tramos realmente brillantes y sobre todo construye un personaje de cine clásico, el que interpreta DiCarpio. Una película muy entretenida, aunque le sobra media docena de secuencias al final”

Diario El Mundo "Un argumento entre aventurero y melodramático, con las dosis necesarias de romanticismo, a ratos emocionante”

En enero de 2003, 40 países firmaron el Proceso de Kimberly con el fin de frenar el flujo de diamantes de conflicto. Pero siguen llegando al mercado diamantes ilegales. Es el comprador quién debe insistir en que no se trate d un diamante de conflicto. Continúa la paz en Sierra Leona… Pero aún hay 200.000 mil niños soldados en África.

No os quedará buen cuerpo después de ver Diamante de sangre pero es una película que hay que ver para ser conscientes... de la suerte que tenemos de vivir en lugares donde se respetan los derechos humanos y donde apenas se dan injusticias (de tal gravedad).

“A veces me pregunto si algún día Dios nos perdonará todas nuestras ofensas y el mal que nos hacemos los unos a los otros... y después me doy cuenta que Dios hace mucho tiempo que se fue de este mundo”

LA CAJA KOVAK (de Daniel Monzón)

“El mundo está lleno de burócratas y gente gris que necesita ver… para creer. No quieren teorías, exigen pruebas… y no me refiero a las que se hacen con animales”

No soy muy aficionado a las películas de miedo, ya que cada vez disfruto menos con historias que no permiten al espectador disfrutar de un estado de tranquilidad y relajación permanente. Películas que no conceden tregua alguna y obligan a estar en continua alerta, provocando angustia, miedo… Pero de vez en cuando es muy agradable encontrarse con una película que, además de provocar todas estas sensaciones, no se queda solamente en eso y va mucho más allá del susto, consiguiendo hacer reflexionar y pensar al espectador una vez vista.

La caja Kovak es una película que tiene un guión tan original y tan bien trabajado (realizado por el propio director, Daniel Monzón, en colaboración con Jorge Guerricaechevarría), que una vez visionada invita a tener un coloquio sobre los hechos narrados. En mi caso, al día siguiente de verla, dentro de mi cabeza seguía la película y junto con ella… muchos interrogantes… ¿y si realmente se pudiera llegar a tener algún día tal control sobre las mentes humanas?... ¿y si una vez más la realidad supera la ficción?... ¿y si ya se ha dado algún caso parecido en la vida real pero no se investigaron bien las causas?... ¿y si…?...

Y que una película provoque todas estas inquietudes e interrogantes es muy de agradecer… En esto también consiste el cine, ¿no creéis?... abrir un debate, provocar distintos puntos de vista, hacer reflexiones, teorías…

La caja Kovak es una película que tiene interés desde la escena inicial que tiene lugar en una cabina de avión, entre sueño y realidad… Y dentro de esta escena, una imgagen que recuerda vagamente a Alien… Auque al final, todo queda en un sueño… o no.

Una historia narrada al más puro estilo de “Dan Brown” ya que la trama de La caja Kovak está protagonizada por una pareja joven compuesta de ambos sexos que tendrán que pasar por multitud de penurias y aventuras... como así suele ocurrir en las novelas del más célebre autor contemporáneo. Bueno, tampoco os quiero confundir con esta comparación ya que esta película no está basada en ninguna de sus novelas… Es tan sólo una apreciación personal, ya que según está presentada y expuesta la acción de la película, recuerda al estilo narrativo de Brown.

“La cuestión es.. ¿se puede seguir escribiendo ciencia ficción? Porque la realidad comienza a parecerse cada vez más a un increíble trama surgido del retorcido cerebro de alguno de mis colegas que están dispuestos, por lo que se ve, en dejarnos a los demás sin trabajo”

Timothy Hutton interpreta con gran acierto a David, un reconocido escritor de best-sellers de ciencia ficción que es invitado a impartir una charla en una sugerente isla del Mediterráneo... en donde tendrá que enfrentarse a sus propios demonios… y a la pregunta: ¿qué ocurriría si el mundo imaginado en mis novelas se convirtiera en real?

“Después de 25 novelas aún disfruto con lo que hago. Me encanta el proceso. La gente me pregunta de dónde saco mis ideas… y creo… que se asemeja a una enfermedad. Me refiero que es igual a cuando abres una ventana o tienes que coger cada día el metro. Te expones a que te invadan virus”

Enseguida la película nos impacta y nos sumerge de lleno en la trama del guión con una escena impactante… tras el sonido inquietante (e irritante) de la llamada de un móvil...

Y entra en escena la segunda protagonista de la película, la española Lucía Jiménez que está muy digna en su papel “de chica que la ocurre de todo”. Con un personaje de perfil más bien americano que de película española, sin embargo Lucía sabe transmitir perfectamente con su personaje de Silvia toda la credibilidad que requiere su papel. La película fue rodada en inglés por lo que os recomiendo, una vez más, que la disfrutéis en versión original (con o sin subtítulos) ya que, curiosamente (e inexplicadamente), en la versión doblada al castellano no es la voz de la propia Lucía la que se puede escuchar.

Como tercer personaje clave de la historia, tenemos a Kovak, el gran confabulador de la trama, que es interpretado por David Kelly (que lo recordaréis por ser el abuelo de Charlie… y su fábrica de chocolate), aunque aquí su personaje… es bastante más oscuro.

Si cogemos a estos tres personajes principales y alguno más de carácter secundario, y les mezclamos con diferentes ingredientes como son una buena dosis de acción, un guión serio y una intrigante melodía… obtenemos como resultado una película muy entretenida de ver para los ojos de espectador aunque en lo que se refiere a su realización global… deja un poco que desear...

En este sentido, existen comentarios críticos con el film como es el siguiente que aparece en la web de La Butaca:

“En efecto, ni la música del indispensable Roque Baños, inspirada y enérgica como de costumbre, haciéndose eco de la herencia de Hermann y Goldsmith, ni el buen oficio de Monzón tras la cámara, ni siquiera la buena voluntad de un espectador predispuesto a poner el piloto de suspensión de incredulidad y entrar en el juego, consiguen hacer remontar el vuelo a un guión que, arrancando bastante bien y desarrollándose mejor, se pierde en sus propios vericuetos y acaba pulverizando todo rastro de credibilidad (y, lo que es aún peor, de interés).”
Y es que, aunque la película arranca magistralmente (la primera media hora es muy buena) y que en general mantiene la tensión y el interés, sin embargo en el ecuador del film el ritmo decae ligeramente y se echa de menos algo más de emoción y vibración. Llega un momento en que la historia alcanza un punto muerto, se estanca y el trama empieza a alargarse un poco más de la cuenta.

“A veces una sola imagen puede ser suficiente para que el virus pueda penetrar en mi organismo y empiece a crecer hasta apoderarse de mi cuerpo… y antes de darme cuenta mi única posibilidad de escapar… es escribiendo el libro”

Pero sí hay un logro que hay que reconocer a La caja Kovak es que en ella, a lo largo de sus 100 minutos de duración, el espectador no pierde en ningún momento el interés ni la curiosidad por saber qué ocurre en el desenlace final de la película… Es una película que, una vez vista, no deja indiferente a nadie (para bien o para mal) y además como os he comentado al principio de esta entrada... invita a reflexionar y a debatir sobre ella una vez visionada.

“El miedo, esa es la clave. Si todos los que se revelan contra el sistema acaban por quitarse la vida… el resto aprenderá a respetar las normas”

Si encima para adornar toda esta atmósfera de intriga y continua tensión ponemos la música inquietante de Roque Baños, pues ahora sí que ya tenemos todos los ingredientes necesarios para pasar una buena tarde en el sofá, con palomitas y algo de bebida. Tampoco os esperéis más que dos horas de entretenimiento (y angustia)… que no es poco.

En relación a Roque Baños, me parece interesantísima la información que añade la web de Zinema.com al respecto y que yo me limito a reproducirla:

“Roque Baños ha arreglado y orquestado para la sensual y envolvente voz de Lucía Jiménez una de las canciones más tristes que se conozcan, Gloomy Sunday, una letanía de romanticismo enfermizo cuya leyenda negra extiende su manto hasta nuestros días. Su autor, el húngaro Rezsô Seress, la compuso en 1933 como catarsis del dolor que sentía tras el abandono de su amada; tenía irrefrenables deseos de quitarse la vida, algo que terminó haciendo en 1968, al tirarse por la ventana de su apartamento. La han interpretado, entre otros, Billie Holiday Artie Shaw, Mel Tormé, Genesis, Ray Charles, Elvis Costello, Marianne Faithfull, Serge Gainsbourg, Sinéad O'Connor, Björk o Sarah Brightman”

La caja Kovak cuenta también con una fotografía y ambientación mediterránea cuya hermosura, luminosidad y colorido de sus paisajes contrasta enormemente con la inquietud, ansiedad y angustia que sufren sus personajes protagonistas y que a su vez transmiten a los espectadores.

¿Cosas que sobran?... bueno, para gustos lo colores, pero quizás no es tan necesario tanto ambiente fúnebre y tétrico de algunas de sus escenas. Ni tampoco creo que sea necesario recrearse con tanto detalle en el aspecto de los cadáveres… Soy más partidario del cine que sugiere más que el que enseña… y La Caja Kovak enseña bastante y con excesivo detalle y quizás... juega bastante poco con la imaginación de los espectadores.

“Nuestra imaginación nunca es inocente, David. Desde el momento en que imaginó esa historia, empezó a existir. La autoeliminación, ahí radica todo. Su profecía se ha hecho realidad, Durante más de 50 años el mundo ha vivido en paz… gracias a una bomba. Ahora lo hará gracias a usted”

Y poco más que comentar sobre La caja Kovak. Tan sólo añadir que si algún día decidís verla y apretar el botón play de vuestro reproductor de dvd… pues bienvenidos a un mundo donde todo puede ocurrir y donde nadie está a salvo… ¿os atrevéis a comprobarlo?

INTERIORES (de Woody Allen)

“Había dejado mis estudios de Derecho cuando conocí a Eve. Era muy hermosa, su pálida tez contrastaba con su vestido negro. Su único ornato solía consistir en un simple collar de perlas. Distante… siempre distinguida y distante”

“Cuando nacieron las niñas, todo funcionaba con tal orden y perfección, que si uno se para a analizar resultaba un tanto… rígido. Lo cierto es que vivíamos inmersos en un mundo que ella nos había creado en el que cada cosa tenía su lugar y en el que nada alteraba la armonía. Todo en él era… dignidad. Yo diría que era… un palacio de hielo”

“De pronto, un día, inesperadamente, un gran abismo se abrió a nuestros pies y me encontré con una faceta que yo… no conocía”

Estamos ante una historia lenta, pausada e intimista, con aires nostálgicos y abatidos… El propio Woody Allen comentó en alguna ocasión, con cierta ironía, que había realizado un film especialmente para los europeos, es decir, para gente con paciencia y poco amiga de las prisas… Para un público dispuesto a disfrutar de una historia con calma, de forma relajada. La película empieza como acaba, con la misma escena, desde el interior de una habitación… observando desde la ventana… el mar en calma.

Es un film lento, meditabundo, lleno de grandes silencios y reflexiones sobre la vida… Estamos ante un Allen distinto al que habíamos conocido hasta la fecha, sin sus vertiginosos e ingeniosos diálogos y sin sus gags cómicos a los que nos tenía acostumbrados hasta ahora. Interiores se caracteriza por contar con grandes y profundas conversaciones existencialistas teñidas con un aura intensa de nostalgia, tristeza y melancolía.

"Interiores es una aguda disección del comportamiento humano, sumamente provocativa, que marcó un punto de inflexión en el cine de Woody Allen. Tomando como referencia el cine del director sueco Ingmar Bergman, Allen evitó cualquier atisbo de comedia, para realizar un filme lento y reflexivo, planteado como indagación psicológica de sus personajes” se define con mucho acierto en el sitio web de Linkara.

“Quiero decir algo y voy a hacerlo sin rodeos. Las circunstancias lo requieren. He considerado el asunto con detenimiento y lo he analizado concienzudamente…. Creo haber sido un excelente marido y un padre responsable. Nada tengo que reprocharme, he cumplido mi deber. Ahora quiero ser yo mismo una temporada…”

Estamos ante una película con tintes tristes y dramáticos que aborda la situación de una familia en crisis. Una mujer, Eve (Geraldine Page) no acepta la separación planteada inesperadamente por parte de su marido, Arthur (E.G. Marshall). Eve contará con la ayuda y el apoyo incondicional de sus hijas… Hijas que tienen también sus propios problemas… Problemas generados en gran medida por el poco cariño o falta de atención mostrada por su propia madre hacia ellas a lo largo de sus vidas.

“No estés tan triste. Haces que me considere culpable… Es una ironía, a pesar de que yo estoy preocupada por ti y tu me correspondes con el desdén desprecio… me siento culpable”

Tenemos una historia sobre una madre que no pierde la esperanza de reconciliarse algún día con su marido, esperanza que es alimentada por una de las hijas y negada por la otra. Flyn (Kristin Griffith) se resiste a dar un respiro de optimismo a su madre. Todo lo contrario que Renata (Diana Keaton), más permisiva y compasiva con su madre que su hermana. En este triángulo de inseguridades y contradicciones se mueve la película.

“¿Qué te pasa, sigues pensando en tu madre?”

“No puedo creer que Renata la de ánimos… que la haga concebir falsas esperanzas”

Interiores aborda el tema de los golpes inesperados que a veces nos depara la vida por sorpresa, sin avisar. El amor de su marido que Eve lo tenía como un valor seguro, eterno y sin riesgo de perderlo.... del día a la mañana lo pierde. Así es la vida a veces de caprichosa que nos obliga a estar siempre en alerta y a no relajarse. Pero es que nadie dijo que vivir fuera fácil… o un camino de rosas.

Para Eve sus hijas no son suficiente motivación para compensar la pérdida del amor de su marido… Pero para sus hijas, cada vez es mayor la preocupación y angustia que sienten hacia la situación de su madre… ansiedades que trasforman en inseguridades existencialistas con sus propias parejas…

“A veces pienso que si tuviéramos un hijo… Oh no, señor, sólo de imaginarlo ya me angustio, sería algo irremediable…”

“¿Y qué me dices de la fotografía?... se te daba bien, tenías verdadera predisposición”

“La detesto, es una estupidez… Siento una necesidad imperiosa de expresar algo pero no sé lo que quiero expresar ni cómo expresarlo”

Joey (Marybeth Hurt) es tercera hija pero está “fuera de juego”. Es actriz, vive fuera, y está “out” de la situación actual de crisis que atraviesa su familia. Sin embargo, es el orgullo de la familia, la que ha triunfado, la que ha demostrado al mundo su talento.

La película estéticamente es bella, con pocos exteriores y muchos interiores… Interiores de hogares, interiores de personalidades, interiores… La cámara de Woody Allen nos regala unos planos bellos y elegantes de diseños y decoración de interiores que parecen sacados de una revista prestigiosa de muebles.

Interiores es básicamente una película de reflexiones y conversaciones entre mujeres, entre dos hermanas con caracteres bien diferentes y entre éstas con su madre. Reflexiones tristes, intensas y con mucha tensión contenida en sus diálogos. Estamos, como podréis comprobar, ante una película poco corriente de Woody Allen, una película carente de todo humor e ironía característicos en los films de Allen.

“¿Por qué esforzándome en seguir creando?, ¿con qué fin?, ¿con qué objeto?, ¿con qué propósito que lo justifique? La verdad, ¿importa realmente que alguien lea alguno de mis poemas cuando yo me haya ido para siempre?... ¿va a reportarme alguna compensación?”

¿Escenas para recordar?... más que escenas, conversaciones y diálogos para recordar y recomendar. No obviemos que estamos ante una película de Allen y esto equivale a calidad en los diálogos. No obstante, sí que hay una escena de gran calidad que quiero destacar y es la que tiene lugar cuando Arthur se presenta de improvisto en la casa familiar acompañado de otra mujer, Pearl (Maureen Stapleton), de la que se ha enamorado inesperadamente y con la que quiere casarse. Es una escena en la cual las emociones se desbordan y la cara de las hijas se transforma en sorpresa y desconcierto. Una gran escena.

Pearl, al contrario de Eve, es toda una amante de la vida y de las cosas sencillas. Arthur quedó prendado de de su vitalidad y energía que desprende y se enamoró de su fuerza y ganas de vivir… curiosamente, todo de lo que carecía su esposa Eve. La aparición de Pearl es breve pero intensa porque nos deja reflexiones tan interesantes como son, por ejemplo, las siguientes:

“Sólo se vive una vez pero es suficiente si lo sabes sacar partido”

“Arthur, come tarta, quién te lo impide... Llegarás a los 100 años si renuncias a todo lo que te gusta en la vida”

Así es el cine de Woody Allen, lleno de frases inteligentes, irónicas... Se trata, además, del primer film en el que Allen sólo dirige pero no actúa.

“Creo que tu eres demasiada perfecta para vivir en este mundo. Todas esas habitaciones tan exquisitamente amuebladas, esos tan interiores tan cuidadosamente diseñados… Todo tan controlado. No había lugar en ellos para los sentimientos humanos”

Y el mar habló por todos ellos... el mar. Final muy metafórico y bello.

La película es de 1978 y obtuvo 5 nominaciones al Oscar. Buena historia, buenas reflexiones, buenas conversaciones… buena película para disfrutarla con tranquilidad, en soledad o en compañía... Sin prisas, disfrutándola… como la vida misma.

“El mar está en calma”

“Sí, muy tranquilo”